Mois : septembre 2020

Installation view/vue d’exposition, Miryam Haddad, La complainte de Yam, 2020.

Étiquettes miryam haddad, Miryam Haddad

Andrew Lewis, Au bord du ruisseau, Ved Gjaetle-Bekken, By the brook, 2023. Huile sur toile / Oil on canvas. 58,5 × 124 cm (23 × 48 ⅞ inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud

Biographie

Né en 1968 à Londres, Andrew Lewis vit et travaille à Argenton-sur-Creuse.

L’artiste développe cette idée de l’interaction entre les personnages aussi bien humains que sculptés et leur environnement immédiat créant ainsi une dynamique de groupe. Ses œuvres montrent les innovations et l’ingéniosité que nous avons mises en place pour nous adapter et croître au sein de notre société, qui de fait s’est mise à fonctionner comme un organisme abolissant les privilèges, cassant les codes qu’elle avait aimé créer peu de temps auparavant. Andrew Lewis tente de réaliser une synthèse originale : transposer en peinture des personnages calmes et hiératiques interagissant avec le temps, qui, lui, passe, bouge, évolue. Ses personnages rappellent ceux de Robert Musil, ces hommes et ces femmes sans « qualités » évidentes, qui, débarrassés des scories de leur milieu et de leur époque deviennent réceptifs aux expérimentations et agissent comme une sorte de polyconscience transhistorique.

Son travail est présent dans les collections suivantes : Arts Council Collection, Londres ; Stedelijk Museum, Amsterdam ; FRAC Alsace, Sélestat ; FRAC Limousin, Limoges. Expositions : Vers une boîte éclairée / Crystal Palace Transmissions, Art:Concept, Paris (2017) ; Les filtres harmoniques, Art:Concept (2012) ; Archi-Peinture, Le Plateau/Frac Ile-de-France, Paris & Camden Arts Center, Londres (2006).

Il a récemment participé aux expositions collectives suivantes: Varia, Abbaye Saint-André, Centre d’Art Contemporain, Meymac/FR; Monument, FRAC Alsace, Sélestat/FR.

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Étiquettes Andrew Lewis

TB103 (autumn), 2018 aquarelle, crayon et encre
157,48 x 109,22 cm
encadré: 157,48 x 109,22 cm

Biographie

Né en 1980 à Bordeaux, Alexandre Singh vit et travaille à Paris et à New York.

Récompensé en 2012 par le Prix Meurice pour l’art contemporain, il se distingue par un travail protéiforme qui évolue entre écriture, performance, collage, installation et sculpture. Ces différentes pratiques, loin d’être hermétiques, travaillent de concert pour mener vers une œuvre totale qui questionne la nature humaine, sa genèse, ses tares et ses multiples visages. Les références de l’artiste, tout aussi hétéroclites, donnent naissance à des personnages et récits hérités indistinctement de la culture populaire – l’univers publicitaire et télévisé –, du répertoire dramatique classique (Molière), comme de la comédie grecque antique (Aristophane). Cet assemblage d’images et de références évoque ses premiers travaux de collage, comme ses séries The Economist (2006) et Assembly Instructions (2008-2011) qui puisent autant leurs sources dans les Essais de Montaigne que dans les catalogues Ikea. En 2012, il signe sa première pièce de théâtre, The Humans, élaborée lors de sa résidence au Witte de With et présentée au Rotterdamse Schouwburg, à la Brooklyn Academy of Music de New York et au programme du festival d’Avignon en 2014.

Son travail est présent dans les institutions suivantes : le Centre national des arts plastiques (Paris), le FRAC des Pays de la Loire (Carquefou, France), le Solomon R. Guggenheim Museum ou encore The Museum of Modern Art à New York.

Plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées en Europe et aux États-Unis. En 2011 il présente son installation La Critique de l’école des objets au Palais de Tokyo (Paris) – montrée initialement au New Museum de New-York en 2010 – puis Assembly Instructions : The Pledge à la galerie Monitor (Rome) et chez Art : Concept (Paris), également montrée au Drawing Center (New-York) en 2013. Cette même année il propose The Humans chez Metro Pictures (New York), puis chez Sprüth Magers (Londres) en 2014. En 2019 il présente une exposition personnelle au Fine Arts Museums of San Francisco (Californie). Son travail a été également montré pendant la Whitney Biennial, la Bienniale de Lyon et Manifesta 8.

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Étiquettes Alexandre Singh

Vue d’exposition, Jeremy Deller, exposition personnelle, 2012

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Jeremy Deller (en collaboration avec Nicholas Abrahams), Our Hobby is Depeche Mode, 2006
Vidéo, 67 Min., Vue d’exposition (“Long Gone, Still Here – Sound as Medium”, Marta Herford 2023) © 2024 the artist and Marta Herford, Photo: Hans Schröder

Biographie

Jeremy Deller est né en 1966. Il vit et travaille à Londres.

Une grande partie du travail de Deller est collaborative; elle a un fort aspect politique, en terme des sujets traités, mais aussi en ce qu’elle contribue à la dévaluation de l’ego artistique par l’implication d’autres personnes dans le processus créatif. Le travail de Jeremy Deller est à expérimenter par tous et pour tous, il nous invite à créer une œuvre participative dans laquelle chacun à un rôle à jouer. Ses œuvres, trans-historiques et partisanes de la libre expression comme vecteur de valeurs et de sens, initient un dialogue entre les cultures, les gens, le passé, le présent et ce que pourrait être le futur. Dans une société qui prétend ouvrir l’accès à la culture et n’a de cesse de prodiguer un modèle à suivre dictant ce qui est culturellement et intellectuellement acceptable ou non, Jeremy Deller se joue de ces stéréotypes sociétaux qu’il balaye en s’intéressant aux sous-cultures, au folklore, aux personnes.

Son travail est présent dans les collections publiques telles que le Centre Pompidou, Paris; Centre national d’arts plastiques, Paris; FRAC Nord-Pas-De-Calais; FRAC Pays de la Loire; FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, Musée des Arts Contemporains, Grand-Hornu, Tate Modern, Londres, Victoria & Albert Museum, Londres. Il a reçu le Turner Prize en 2004.

De nombreuses expositions personnelles lui ont été consacrées dont : Warning Graphic Content, MAMCO, Genève/CH (2022) ; Wir haben die Schnauze voll, Bonner Kunstverein, Bonn/DE (2020) ; Everybody In The Place, The Modern Institute, Glasgow/UK (2019) ; English Magic, British Pavilion, 55th Venice Biennale/IT (2013); Sacrilege, Esplanade des Invalides, Projet Hors les Murs, FIAC/FR (2012); Joy In People, Hayward Gallery, London/UK (2012); D’une révolution à l’autre, Carte Blanche à Jeremy Deller, Palais de Tokyo, Paris (2008). En 2023, une rétrospective présentera son travail simultanément au FRAC Bretagne, à la Criée Centre d’Art contemporain et au Musée des Beaux-Arts de Rennes.

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Biographie

Vidya Gastaldon est née en 1974 à Besançon. Elle vit et travaille à Grange Neuve dans l’Ain, France.

À la fois mystique, fantastique et très plastique, l’œuvre de Vidya Gastaldon développe une sorte d’harmonisation des qualités tant psychiques que physiques. Allergique à une éventuelle mise sous contrôle, elle nous livre un panorama cosmique alliant divinités hindoues, personnages du Muppet Show et allusions christiques. Son travail qui se réfère aussi bien à Turner, Burchfield ou Blake qu’à Bunuel, revêt un caractère protéiforme qui relève du divin, de l’hallucination ou tout simplement du quotidien. Dans ce mélange de sacré, de sensualité, d’humour et parfois de provocation, elle parvient à établir un rapport entre l’être et le censé être. Elle fait ainsi naître de nouvelles croyances et avec des impulsions négatives ou positives, elle contraint les égrégores censés reproduire toujours le même schéma à ne plus influencer la pensée collective.

Son travail se trouve dans les collections suivantes : Frac Normandie, Rouen ; Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen am Rhein ; Musée des Beaux-Arts, Brest ; Fonds Municipal d’Art Contemporain, Geneva ; Kunst Museum Bern; Jenisch Museum, Vevey ; CNAP, Centre national des arts plastiques, Paris ; Collection Région Piémont, Turin ; Kadist Art Foundation, Paris; MAMCO, Geneva ; Musée National d’Art Moderne – Centre Pompidou, Paris ; Centre National des Arts Plastiques, Paris.

Sélection d’expositions personnelles : Océan sentimental, Centre d’Art Contemporain Les Capucins, Embrun (2022); J’aurais voulu qu’on s’aime tous, Wilde, Genève (2020) ; Objets peints au feu de bois, Art : Concept, Paris (2019) ; Push the earth with your knees, the sky with your head, Art Bärtschi & Cie, Geneva (2017) ; Les Rescapés, Musée de l’Abbaye Sainte-Croix, Les Sables d’Olonne ; Hello From the Other Side, Art : Concept, Paris (2016) ; Tu es Monstrueux et je t’aime beaucoup, MAMCO, Geneva (2012) ; Domaine de Kerguehennec, Bignan (2009), parmi d’autres. En 2019 son travail a fait partie de l’exposition de groupe » Futur, ancien, fugitif » au Palais de Tokyo, Paris.