Biographie

Kate Newby est née à Auckland (Nouvelle-Zélande) en 1979 et travaille aux États-Unis où elle réside. En 2015, elle est diplômée du doctorat de l’École des beaux-arts Elam à l’université d’Auckland.

Kate Newby crée des sculptures et des installations à partir d’une variété de techniques dont la céramique, le verre et le textile. En y intégrant des objets du quotidien laissés pour compte (mégots, pièces de monnaie, morceaux de verre cassé), elle magnifie le prosaïque en lui offrant une nouvelle forme et un nouvel espace, de l’infime au monumental. Ses interventions sont uniques et dédiées aux espaces où elles s’exercent, jouant avec leur luminosité, leur spatialité et leur utilisation originelle. L’artiste s’immisce dans ces lieux avec des œuvres faites à la main, transformant des matériaux bruts en briques, chandeliers ou fenêtres et invite les spectateurs à se rapprocher pour mieux (re)découvrir leurs textures et leurs détails.

Son travail a été montré à la 21e Biennale de Sydney en 2018, ainsi que dans différentes institutions et galeries à travers le monde : à l’Institut d’Art contemporain de Villeurbane (2019), à la Kunsthalle de Vienne (2018) et à Index, Contemporary Swedish Art Foundation (2017). Elle a gagné en 2012 le Walters Prize, le plus grand prix d’art contemporain néo-zélandais.

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Tania Pérez Córdova (née en 1979) est une artiste mexicaine née à Mexico où elle vit et travaille. Après avoir étudié à l’école des beaux-arts de Mexico, elle a obtenu une licence en beaux-arts au Goldsmiths College de Londres.

Son travail a été présenté dans des expositions personnelles à la Kunsthalle de Bâle (2018) et au Musée d’art contemporain de Chicago (2017) et prochainement au Musée Tamayo de Mexico (octobre 2022). Il fait partie d’importantes collections publiques telles que celles des Museum of Contemporary Art Chicago/US, Tamayo Museum/MEX, Jumex Collection/MEX, San Francisco Moma/US, Cisneros Collection/US-VEN, Museo Amparo/MEX, Adrastus collection/ESP.

‘All our explanations’ présentée chez Art : Concept en janvier 2022 est sa première exposition personnelle en France.

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Né en 1968 à Londres, Andrew Lewis vit et travaille à Argenton-sur-Creuse. L’artiste développe cette idée de l’interaction entre les personnages aussi bien humains que sculptés et leur environnement immédiat créant ainsi une dynamique de groupe. Ses œuvres montrent les innovations et l’ingéniosité que nous avons mises en place pour nous adapter et croître au sein de notre société, qui de fait s’est mise à fonctionner comme un organisme abolissant les privilèges, cassant les codes qu’elle avait aimé créer peu de temps auparavant. Andrew Lewis tente de réaliser une synthèse originale : transposer en peinture des personnages calmes et hiératiques interagissant avec le temps, qui, lui, passe, bouge, évolue. Ses personnages rappellent ceux de Robert Musil, ces hommes et ces femmes sans « qualités » évidentes, qui, débarrassés des scories de leur milieu et de leur époque deviennent réceptifs aux expérimentations et agissent comme une sorte de polyconscience transhistorique.

Son travail est présent dans les collections suivantes : Arts Council Collection, Londres ; Stedelijk Museum, Amsterdam ; FRAC Alsace, Sélestat ; FRAC Limousin, Limoges. Expositions : Vers une boîte éclairée / Crystal Palace Transmissions, Art:Concept, Paris (2017) ; Les filtres harmoniques, Art:Concept (2012) ; Archi-Peinture, Le Plateau/Frac Ile-de-France, Paris & Camden Arts Center, Londres (2006).

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Né en 1980 à Bordeaux, Alexandre Singh vit et travaille à Paris et à New York. Récompensé en 2012 par le Prix Meurice pour l’art contemporain, il se distingue par un travail protéiforme qui évolue entre écriture, performance, collage, installation et sculpture. Ces différentes pratiques, loin d’être hermétiques, travaillent de concert pour mener vers une œuvre totale qui questionne la nature humaine, sa genèse, ses tares et ses multiples visages. Les références de l’artiste, tout aussi hétéroclites, donnent naissance à des personnages et récits hérités indistinctement de la culture populaire – l’univers publicitaire et télévisé –, du répertoire dramatique classique (Molière), comme de la comédie grecque antique (Aristophane). Cet assemblage d’images et de références évoque ses premiers travaux de collage, comme ses séries The Economist (2006) et Assembly Instructions (2008-2011) qui puisent autant leurs sources dans les Essais de Montaigne que dans les catalogues Ikea. En 2012, il signe sa première pièce de théâtre, The Humans, élaborée lors de sa résidence au Witte de With et présentée au Rotterdamse Schouwburg, à la Brooklyn Academy of Music de New York et au programme du festival d’Avignon en 2014.

Son travail est présent dans les institutions suivantes : le Centre national des arts plastiques (Paris), le FRAC des Pays de la Loire (Carquefou, France), le Solomon R. Guggenheim Museum ou encore The Museum of Modern Art à New York.

Plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées en Europe et aux États-Unis. En 2011 il présente son installation La Critique de l’école des objets au Palais de Tokyo (Paris) – montrée initialement au New Museum de New-York en 2010 – puis Assembly Instructions : The Pledge à la galerie Monitor (Rome) et chez Art : Concept (Paris), également montrée au Drawing Center (New-York) en 2013. Cette même année il propose The Humans chez Metro Pictures (New York), puis chez Sprüth Magers (Londres) en 2014. En 2019 il présente une exposition personnelle au Fine Arts Museums of San Francisco (Californie). Son travail a été également montré pendant la Whitney Biennial, la Bienniale de Lyon et Manifesta 8.

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Jeremy Deller est né en 1966. Il vit et travaille à Londres.
Une grande partie du travail de Deller est collaborative; elle a un fort aspect politique, en terme des sujets traités, mais aussi en ce qu’elle contribue à la dévaluation de l’ego artistique par l’implication d’autres personnes dans le processus créatif. Le travail de Jeremy Deller est à expérimenter par tous et pour tous, il nous invite à créer une œuvre participative dans laquelle chacun à un rôle à jouer. Ses œuvres, trans-historiques et partisanes de la libre expression comme vecteur de valeurs et de sens, initient un dialogue entre les cultures, les gens, le passé, le présent et ce que pourrait être le futur. Dans une société qui prétend ouvrir l’accès à la culture et n’a de cesse de prodiguer un modèle à suivre dictant ce qui est culturellement et intellectuellement acceptable ou non, Jeremy Deller se joue de ces stéréotypes sociétaux qu’il balaye en s’intéressant aux sous-cultures, au folklore, aux hommes.

Son travail est présent dans les collections publiques telles que le Centre Pompidou, Paris; Centre national d’arts plastiques, Paris; FRAC Nord-Pas-De-Calais; FRAC Pays de la Loire; FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, Musée des Arts Contemporains, Grand-Hornu, Tate Modern, Londres, Victoria & Albert Museum, Londres. Il a reçu le Turner Prize en 2004. Il a été consacrée de nombreuses expositions personnelles dont : Wir haben die Schnauze voll, Bonner Kunstverein, Bonn/DE (2020) ; Everybody In The Place, The Modern Institute, Glasgow/UK (2019) ; English Magic, British Pavilion, 55th Venice Biennale/IT (2013); Sacrilege, Esplanade des Invalides, Projet Hors les Murs, FIAC/FR (2012); Joy In People, Hayward Gallery, London/UK (2012); D’une révolution à l’autre, Carte Blanche à Jeremy Deller, Palais de Tokyo, Paris (2008).

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Vidya Gastaldon est née en 1974 à Besançon. Elle vit et travaille à Brénod, France.

À la fois mystique, fantastique et très plastique dans sa pratique artistique, Vidya Gastaldon développe une sorte d’harmonisation des qualités tant psychiques que physiques. Allergique à une éventuelle mise sous contrôle, elle nous livre un panorama cosmique alliant divinités hindoues, personnages du Muppet Show et allusions christiques. Son travail citant Turner, Burchfield, Blake ou Bunuel, revêt un caractère protéiforme qui relève du divin, de l’hallucination ou tout simplement du quotidien. Dans ce mélange de sacré, de sensualité, d’humour et parfois de provocation, elle parvient à établir un rapport entre l’être et le censé être. Elle fait ainsi naître de nouvelles croyances et avec des impulsions négatives ou positives, elle contraint les égrégores censés reproduire toujours le même schéma à ne plus influencer la pensée collective.

Son travail se trouve dans les collections suivantes : Frac Normandie, Rouen ; Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen am Rhein ; Musée des Beaux-Arts, Brest ; Fonds Municipal d’Art Contemporain, Geneva ; Kunst Museum Bern; Jenisch Museum, Vevey ; CNAP, Centre national des arts plastiques, Paris ; Collection Région Piémont, Turin ; Kadist Art Foundation, Paris; MAMCO, Geneva ; Musée National d’Art Moderne – Centre Pompidou, Paris ; Centre National des Arts Plastiques, Paris.

Expositions personnelles : J’aurais voulu qu’on s’aime tous, Wide, Genève (2020) ; Objets peints au feu de bois, Art : Concept, Paris (2019) ; Push the earth with your knees, the sky with your head, Art Bärtschi & Cie, Geneva (2017) ; Les Rescapés, Musée de l’Abbaye Sainte-Croix, Les Sables d’Olonne ; Hello From the Other Side, Art : Concept, Paris (2016) ; Tu es Monstrueux et je t’aime beaucoup, MAMCO, Geneva (2012) ; Domaine de Kerguehennec, Bignan (2009), parmi d’autres. En 2019 son travail a fait partie de l’exposition de groupe  » Futur, ancien, fugitif  » au Palais de Tokyo, Paris.

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Jean-Michel Sanejouand (1934-2021) est né à Lyon et vivait et travaillait à Anjou. Issue de la scène artistique des années 60, l’œuvre de Jean-Michel Sanejouand reste inclassable. Elle surprend par sa radicalité, sa remise en cause formelle permanente. Loin d’être le simple résultat de l’expression d’une liberté formelle, l’œuvre de Jean-Michel Sanejouand nourrie de nombreuses ruptures, a été saluée par de nombreuses institutions françaises et étrangères dont le Centre Georges Pompidou en 1995.

Son travail se trouve dans de nombreuses collections publics telles que le Musée national d’art moderne/Centre Pompidou, le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, le Musée d’Art Contemporain de Lyon et Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut.

Plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées depuis les années 60 dont: Charges-Objets, MAMCO, Geneva (2015); Un peu d’espace(s) at Art : Concept, Paris in (2015); Rétrospectivement…, Frac Pays de la Loire, Carquefou/FR (2012); 1963-1995 rétrospective, Centre Pompidou, Paris/FR (1995); Rétrospective des Charges-Objets aux Espaces-Peintures, Palais des Beaux-Arts, Lyon/FR (1986).

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Lothar Hempel est né en 1966 à Cologne où il vit et travaille. L’artiste puise son inspiration dans l’histoire allemande, dans la New Wave californienne, dans la tragédie grecque, dans la culture païenne, dans la musique ou le cinéma. Ce qui lui importe n’est pas tant la référence en tant que telle et prise pour ce qu’elle est ou ce qu’elle véhicule dans la société occidentale actuelle, mais plutôt une sorte de réappropriation de ces images, de ce réel afin de le faire circuler dans son univers et de se l’approprier. Ses œuvres sont chargées émotionnellement et plutôt que de nous livrer tel quel un concept de départ, elles nous placent face à un souvenir qu’on aurait oublié ou perdu et que nous sommes sur le point de retrouver, engendrant ainsi tout un possible d’interprétations propres à chacun dans une sorte de cheminement entre réalité et rêve. Lothar Hempel crée une cosmogonie complète avec ses figures, ses objets et son environnement dans lequel il confond le verbal et le visuel et combine presque violemment des médiums auparavant distincts.

Expositions personnelles récentes : Le Terrain Vague, Stuart Shave / Modern Art, London (2018) ; Oral Heart, Anton kern gallery, New York (2017) ; Sex and the City, Art : Concept, Paris (2016) ; Working Girl, Sies + Höke, Düsseldorf (2016) ; Tropenkoller, Modern Art, London (2015).

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Né en 1980 à Metz (France), Corentin Grossmann vit et travaille à Bruxelles. L’univers de Corentin Grossman mélange diverses influences iconographiques, de la peinture médiévale aux arts populaires, des images de pochettes de disques, aux produits de la modélisation 3D. Jérôme Bosch au Brueghel l’Ancien ont marqué l’artiste, qui se plaît souvent à développer des compositions dans lesquelles s’agencent une multitude d’éléments à première vue disparates. Si la dimension surréaliste et onirique apparaît comme évidente, son travail est également ancré dans le réel, tissé de références à des faits d’actualité comme le séisme survenu à Haïti en 2011, ou plus généralement des phénomènes relatifs à la globalisation. *

« Si je me réfère à une réalité locale, partielle, minuscule, ou très courte c’est pour mieux l’inscrire dans les mouvements interdépendants, et infiniment complexes des innombrables éléments qui composent notre cosmos. L’ambiguïté de la démarche réside aussi dans cette pensée dont la tendance structurante est d’avance vouée à l’échec. Il peut être question, non sans humour, de la chose la plus légère et la plus grave à la fois. Les mettre en relation, sans aucune hiérarchie est une poésie qui me plaît. » – Corentin Grossmann

Son travail a été présenté dans les institutions suivantes : Wiels, Bruxelles (2021) ; Le Centre Pompidou, Metz (2020) ; le Palais de Tokyo, Paris (2019-2020) ; Les Magasins Généraux, Pantin (2019) ; CAC – la synagogue de Delme, Delme (2018) ; Le 19, CRAC, Montbéliard (2016) ; Consortium, Dijon (2012) ; Fondation d’Entreprise Ricard, Paris (2011) ; Musée des Beaux-arts de Nancy, Nancy (2010).

* Texte pris du catalogue Futures of Love, Édition Magasins généraux, Paris, 2019.

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Philippe Perrot peint des « histoires de famille ». A son habitude, il ne cesse de briser la fonction narrative de l’image et représente sur la même toile de multiples saynètes sans rien dévoiler cependant des secrets de famille – tout en suggérant néanmoins par sa manière singulière de peindre les signes et les images quelque chose de leur poids et de leur influence sur l’organisation de l’espace pictural. Les différentes formes d’échelles contribuent à altérer l’homogénéité de ce dernier. Il s’agit de décentrer le regard pour l’obliger à chercher de nouveaux repères et d’inviter ainsi le spectateur à inventer des cheminements de pensée aléatoire. C’est en entretenant une dissemblance permanente entre le visible et sa signification et en suscitant une disjonction entre l’image et son référent que le défi lancé au spectateur prend tout son sens.

Evence Verdier

Le travail de Philippe Perrot (Paris, 1967 – Paris, 2015) est présent dans les collections suivantes : MOCA, Los Angeles ; Frissimas Museum, Athènes ; FRAC Ile de France, Paris ; FMAC, Ivry syr Seine ; CCCG, Gennevilliers. Expositions : Art: Concept, Paris (2004) ; Le monde vous appartient, Palazzo Grassi, Venise (2011) ; Rosa et Carlos de la Cruz, Miami (2007).

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