Catégorie : artistes

  • Anthony D Green, Coffee Machine, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Anthony D Green, 8am, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Anthony D Green, Designer chair, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Anthony D Green, Stay close, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Anthony D Green, The wall, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Anthony D Green, This space, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Anthony D Green, Washing machine, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Anthony D Green, Yellow sofa, 2022. MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé / MDF, spray paint, acrylic paint, printed paper. 210,5 × 150 × 9 cm (82 ⅞ × 59 × 3 ½ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo : Romain Darnaud
  • Vue du stand / Booth view Neue Alte Brüecke, with Magnus Andersen, Will Benedict, Liz Craft, Bradley Davies, FIAC 2018, Paris/FR
  • Anthony D Green, Aaanother Stroll, 2018. Mixed media. 200 × 150 cm (78 ¾ × 59 inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Vue d’installation | Installation view Exercices in Style, Exhibition view A plus A, Venice/IT, 2019
  • Anthony D Green, Christopher Williams, 2011. Mixed Media. 200 × 150 cm (78 ¾ × 59 inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Anthony D Green, The Weekend, Things can only get better, 2011. Mixed media. 200 × 250 cm (78 ¾ × 98 ⅜ inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Anthony D Green. Work And It’s Public Relations, 2011. Mixed media. 200 × 150 cm (78 ¾ × 59 inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Anthony D Green. A Report The Face A Room Heating Up, 2009. Mixed Media. 190 × 160 cm (74 ¾ × 63 inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Anthony D Green, Workmachine Enter Exit, 2008. Mixed Media. 160 × 110 cm (63 × 43 ¼ inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Anthony D Green, The Wall, The Organisation, Waiting…(2nd Version), 2008. Mixed Media. 75 × 94 cm (29 ½ × 37 inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Anthony D Green, A Stroll How Can We Escape Our Petty Little Fascism’s?, 2008. Mixed Media. 290 × 200 cm (114 ⅛ × 78 ¾ inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.

Biographie

Entre peinture et bas-relief, les œuvres récentes d’Anthony D. Green témoigne de la fascination de l’artiste pour les images, leur place centrale dans la société de consommation et leurs potentiel de transformation. Détournant les codes de la photographie publicitaire et de l’infographie, il impose une distance avec les sujets, ici issus de banques d’image commerciales. Réalisées en MDF, peinture en aérosol, peinture acrylique, papier imprimé et assemblées, elles jouent avec les volumes et les points de vue, et perturbent le regard par des jeux formels (décalage, répétition, etc.). L’oreille, en relief sur un des volumes, apparait alors comme une voie de sortie à l’emprise exercée par le régime visuel. Bas-reliefs naturels, elles sont les médiatrices entre l’extérieur non-visible et un intérieur invisible, signifiant l’accès à quelque chose au-delà du visible.

Anthony D Green est né en 1973 à Welwyn Garden City/UK. Il vit et travaille dans le Kent/UK.

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  • Caroline Achaintre, Museum Lothar Fischer, Neumarkt in der Oberpfalz, 2023. Photo: Andreas Pauly
  • Caroline Achaintre, Museum Lothar Fischer, Neumarkt in der Oberpfalz, 2023. Photo: Andreas Pauly
  • Vue d’exposition / Installation view, Earth Spells Witches of the Anthropocene at RAMM, Exeter, 2023.
    Caroline Achaintre, Ghost Duck, 2020. Laine tuftée à la main / Hand tufted wool, 240 × 205 cm (94 ½ × 80 ¾ in)
    Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Caroline Achaintre, Elm, 2021. Céramique/terre cuite / Ceramic/Terracotta. 63 × 26 × 22 cm (24 ¾ × 10 ¼ × 8 ⅝ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Collection privée. Photo Romain Darnaud
  • Vue d’exposition / Installation view, Caroline Achaintre, Shiftings, 2022, Centre d’art Pasquart, Biel/CH. Photo Stefan Rohner. Courtesy the artist; Art: Concept, Paris
  • Vue d’exposition / Installation view, Caroline Achaintre, Shiftings, 2022, Centre d’art Pasquart, Biel/CH. Photo Stefan Rohner. Courtesy the artist and Art: Concept, Paris
  • Vue de l’exposition / Installation view, L’Ame primitive, Musée Zadkine, Paris, 2021. Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
  • Caroline Achaintre, AstraY, 2014. Laine tuftée à la main / Hand tufted wool, 280 × 222 × 25 cm. Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris. Collection Tate Britain (Acquisition 2015)
  • Vue d’exposition / Installation view Caroline Achaintre. Shiftings, Kunstmuseum Ravensburg 2021, Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris, Photo by Wynrich Zlomke
  • Vue d’exposition / Installation view Caroline Achaintre. Shiftings, Kunstmuseum Ravensburg 2021, Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris, Photo by Wynrich Zlomke
  • Major strike, 2021, watercolour and ink on paper, 14 × 10 in.
  • Derma D, 2020, ceramic (porcelain), 13 3/8 × 26 3/4 × 3 7/8 in.
  • Inhibitor, 2020, hand tufted wool, 104 3/4 × 81 7/8 in. Collection privée/private collection
  • Slacks, 2020, ceramic (porcelain), 13 3/4 × 17 3/4 × 14 1/8 in.
  • Solaris inverse, 2021, watercolour and ink on paper, 14 × 10 in.
  • Vue d’exposition, Caroline Achaintre Tête-à-tête, Art : Concept, Paris, 2021
  • Louis Q, 2020. Hand tufted wool, 98 3/8 x 78 3/4 in.
  • Vue d’exposition, Vue Liquide, Fondation Thalie, Brussels, 2020. Photo: Laetizia Debain
  • Vue d’exposition, Vue Liquide, Fondation Thalie, Brussels, 2020. Photo: Laetizia Debain
  • Permanente, Installation view, Fondazione Giuliani, May – October 2020. Photo: Giorgio Benni
  • Permanente, Installation view, Fondazione Giuliani, May – October 2020. Photo: Giorgio Benni
  • Permanente, Installation view, Fondazione Giuliani, May – October 2020. Photo: Giorgio Benni
  • Permanente, Installation view, Fondazione Giuliani, May – October 2020. Photo: Giorgio Benni
  • Installation view, Ca roline Achaintre, permanente, Capc Musée d’art contemporain de Bordeaux, 2020. Photo: Arthur Péquin
  • Installation view, Ca roline Achaintre, permanente, Capc Musée d’art contemporain de Bordeaux, 2020. Photo: Arthur Péquin
  • IGOR, 2019. Hand tufted wool, 102 3/8 x 65 in.
  • MissTique, 2019. Hand tufted wool, 86 5/8 x 65 3/4 in.
  • Vue d’exposition / Installation view Caroline Achaintre. Permanente, MOCO Panacée, Montpellier, 2019
  • Vue d’exposition / Installation view Caroline Achaintre. « Dauerwelle ». Foto: kunst-dokumentation.com, Manuel Carreon Lopez; © Belvedere, Wien
  • Vue d’exposition / Installation view Caroline Achaintre. « Dauerwelle ». Foto: kunst-dokumentation.com, Manuel Carreon Lopez; © Belvedere, Wien
  • Vue d’exposition / Installation view Caroline Achaintre. « Dauerwelle ». Foto: kunst-dokumentation.com, Manuel Carreon Lopez; © Belvedere, Wien
  • Caroline Achaintre, Severine, 2018 céramique / ceramics. 26,04 × 40,01 × 35,88 cm (10 ¼ × 15 ¾ × 14 ⅛ in). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris. Photo Claire Dorn
  • Vue d’exposition, Caroline Achaintre, BALTIC Centre for Contemporary Art
    Photo: John McKenzie
  • Installation view, Fantômas, Be-Part, Waregem Platform for Contemporary Art and De La Warr Pavilion, Bexhill-on-Sea, 2018. Photo: Dirk Pauwels
  • Vue d’exposition / Installation view, Fantômas, Be-Part, Waregem Platform for Contemporary Art and De La Warr Pavilion, Waregem, 2018. Photo: Dirk Pauwels
  • Vue d’exposition / installation view. Caroline Achaintre – Frac Champagne Ardenne, 2017. Photo Martin Argyroglo
  • Vue d’exposition / installation view. Caroline Achaintre – Frac Champagne Ardenne, 2017. Photo Martin Argyroglo

Biographie

Née en France, Caroline Achaintre a grandi en Allemagne et vit en Grande-Bretagne. Après avoir étudié à la Kunsthochschule de Halle puis au Chelsea College of Art and Design, elle est diplômée de la Goldsmiths University à Londres. L’artiste est elle-même nourrie de références culturelles multiples et radicalement différentes qui influencent sa démarche. Sculptures en laine, en céramique ou encore aquarelles, l’artiste s’approprie l’espace afin d’y installer ses créatures hybrides, transformant le lieu d’exposition en un théâtre où dialoguent différents personnages mi-fantastiques, mi-fantomatiques. Inspiré tout à la fois par le carnaval européen, le Primitivisme, l’Expressionnisme allemand ou encore la science-fiction, le travail de Caroline Achaintre évoque d’une part la possible coexistence de plusieurs personnages au sein d’un même être et d’autre part les tensions que génère la dualité. Aucune indication précise n’est donnée quant à la façon d’aborder son travail. On y voit tour à tour un masque, un vêtement, un animal… Ses œuvres ont la particularité d’être difficiles à définir. Abstraites et figuratives à la fois, elles révèlent des formes anthropomorphiques et témoignent d’un intérêt particulier pour l’animisme. La mutation des formes et la pluralité des interprétations possibles engagent l’esprit et la fantaisie du regardeur. C’est là la force du travail de Caroline Achaintre : questionner notre propre capacité d’être au monde en tant qu’individu défini par une identité complexe et multiple.

Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques : CAPC, Bordeaux/FR; Tate Britain, Londres; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris; Centre national des arts plastiques, Paris; FRAC Aquitaine, Bordeaux, et FRAC Champagne-Ardenne, Reims.

De nombreuses expositions personnelles lui ont été consacrées : Kunstmuseum Ravensburg/Centre d’art Pasquart/CH (2021-2022), CAPC, Bordeaux/FR (2020-2021), MO.CO., Montpellier/FR (2019); Belvedere 21, Vienna/AU (2019); De La Warr Pavilion, Bexhill-on-sea/UK (2018); FRAC Champagne-Ardenne, Reims/FR (2017); BALTIC, Centre for Contemporary Art, Gateshead/UK (2016); Tate Britain, Londres/UK (2015); Castello di Rivoli, Turin/IT (201

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  • Hubert Duprat. Vue d’exposition / Exhibition view, La mer Imaginaire / The Imaginary Sea, Fondation Carmignac, Porquerolles/FR, 2021. Curator: Chris Sharp. Photo: Marc Domage
  • Hubert Duprat, Martyr, 2019. Plexiglas / Plexiglass. 20 × 100 cm (7 ⅞ × 39 ⅜ inches)
  • Hubert Duprat, Sans titre / Untilted, 2013. Plâtre, pots en terre cuite / Plaster, baked clay pots. 232 × 1 800 × 15 cm (91 ⅜ × 708 ⅝ × 5 ⅞ in.)
  • Hubert Duprat, Volos, 2013-2015. Pointe de hache en silex poli du néolithique tardif, argile crue / Late neolithic polished flintstone axehead, raw clay. 51 x 20 x 6 cm (20 1/8 x 7 7/8 x 2 3/8 in.)
  • Hubert Duprat, Tribulum, 2012-2015. Mousse de polyuréthane, silex / Polyurethane foam , flint, 100 x 69,85 x 18,1 cm (39 3/8 x 27 1/2 x 7 1/8 in.)
  • Hubert Duprat, Chagrin, 2009-2012. Polystyrène, bois et chagrin / Polystyrene, wood and shagreen, dimensions variables / variable dimensions
  • Hubert Duprat, Chagrin, 2009-2012. Polystyrène, bois et chagrin / Polystyrene, wood and shagreen, dimensions variables / variable dimensions
  • Hubert Duprat, Sans titre/ Untilted, 2008-2015. 200 000 magnétites / 200 000 lodestones, 85 x 280 x 280 cm (33 1/2 x 110 1/4 x 110 1/4 in.)
  • Hubert Duprat, Sans titre / Untilted, 2007-2008. Cristaux de pyrite broyés, colle araldite, base / Crushed pyrite crystals, araldite glue, base, hauteur: 44 cm, diamètre: 48 cm / height: 17 3/8 in., diameter: 18 7/8 in.
  • Hubert Duprat, Comme un gant / Like a glove 2003-2005. Galets d’hématite, mastic polyester, 5 tubes / Hematite pebbles, polyester mastic cement, 5 tubes, 120 x 205 x 120 cm. (47 1/4 x 80 3/4 x 47 1/4 in.)
  • Hubert Duprat, Sans titre (Le feu) / Untilted (The Fire), 2002. Encre de chine sur contreplaqué / Chinese ink on plywood, 122 x 420 cm (122 x 165 3/8 in.)
  • Hubert Duprat, Sans titre (série Les bêtes) / Untilted (beast series) 1992-1999. Silex / Flint, 30 x 35 cm (11 3/4 x 13 3/4 in.)
  • Hubert Duprat, Corail Costa Brava / Costa Brava Coral, 1994-2021. Corail rouge de Méditerranée, mie de pain, colle / Red mediterraneen coral, bread, glue, 20 × 22 × 24 cm (7 ⅞ × 8 ⅝ × 9 ½ in.)
  • Hubert Duprat, Coupé-Cloué / Cut-Nailed, 1991-1994. Bois et clous de laiton / Beech wood and upholstery brass nails, 53 × 507 cm (20 ⅞ × 199 ⅝ in.)
  • Hubert Duprat, Les Agates / The Agates 1986-1989. Quatre cibachromes couleur / Four color cibachromes, 4 x (76 x 160 cm) ( 4x (29 7/8 x 63 in.)), ed 1/3
  • Hubert Duprat, Tube de trichoptère / Trichoptera’s tube, 1980-2015. Or, turquoise, saphir / Gold, turquoise, sapphire, 0,5 × 1,8 cm (¼ × ¾ in.).

Biographie

Hubert Duprat est né en 1957 à Nérac dans le Lot-et-Garonne, il vit et travaille dans le sud de la France.

Riche, exigeante et complexe, l’œuvre d’Hubert Duprat s’enrichit aussi du hasard et de l’empirisme. Inspirée par la découverte d’objets, de vestiges ou de textes, elle conjugue une mise à l’épreuve des matières, des techniques et des gestes. L’artiste puise indifféremment dans la nature ou dans la manufacture des étrangetés minérales (pyrite, calcite, ulexite..), des espèces inclassables (ambre, corail..) ou des matériaux industriels courants (polystyrène, béton, paraffine, pâte à modeler…). Les procédés, déplacés de leur domaine d’origine, proviennent en grande partie de l’artisanat comme la marqueterie, l’orfèvrerie, la tapisserie d’ameublement, mais également des arts populaires à l’exemple du string art.*

Le travail de Duprat est visible dans les collections suivantes : Museum of Old and New Art (MONA), Tasmanie/AU; Fondation Cartier, Paris /FR; Musée d’Art moderne de la Ville de Paris/FR ; Fond National d’Art Contemporain, Paris; Nouveau Musée National de Monaco, Monaco/FR ; Collection Musée des Arts Contemporains de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Grand-Hornu/BE ; Musée d’Art Contemporain de Lyon/FR ; et dans de nombreuses collections des Fonds régionaux d’art contemporain (FRAC) en France.

Une rétrospective de son œuvre est présentée au Musée d’Art moderne de Paris jusqu’en 2021. De nombreuses expositions personnelles lui ont été consacrées notamment au Museum of Old and New Art (MONA), Tasmanie/AU (2013) ; Norwich Museum, Norwich, UK (2011); MAMCO, Genève/CH (1999) ; Musée Picasso, Antibes (1998).

*Lire le communiqué de presse de l’exposition « Hubert Duprat » au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, écrit par Jessica Castex, 2020

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  • Vue d’exposition/ Installation view – Beyond Color , Galerie Art : concept, Paris FR, 2018.
  • Vue d’exposition / Installation view – Beyond Color, Galerie Art : concept, Paris FR, 2018.
  • Jean-Michel Sanejouand, Sans titre, (Espaces & Cie), 2017. Acrylique sur papier / Acrylic on paper. 45,3 × 30,5 cm (17 ⅞ × 12 in.). Photo: Claire Dorn.
  • Jean-Michel Sanejouand, Sans titre, (Espaces & Cie), 2017 . Acrylique sur papier / Acrylic on paper. 45,3 × 30,5 cm (17 ⅞ × 12 in.).
  • Jean-Michel Sanejouand, Le silence, 1996, Bronze. 110 x 90 x 60 cm ( 43 5/16 x 35 7/16 x 23 5/8 in.). Coll. du FRAC Île-de-France.
  • Jean-Michel Sanejouand, Révérence, 2002-2017. Bronze. 10,5 × 45 × 45 cm (4 ⅛ × 17 ¾ × 17 ¾ in.). Coll. privée / FR. Photo: Claire Dorn.
  • Jean-Michel Sanejouand, Casse-noisette, 2007. Pierres, peinture acrylique / Stones, acrylic paint. 10 x 20,2 x 12 cm (3 ¹⁵/₁₆ x 7 ⁶¹/₆₄ x 4 ²³/₃₂ in.). Coll. du FRAC Picardie. Photo: André Morin.
  • Jean-Michel Sanejouand, Le contemplatif, 2011. Pierres, peinture acrylique. Stones, acrylic paint. 20 x 9 x 8,5 cm ( 7 ⁷/₈ x 3 ³⁵/₆₄ x 3 ¹¹/₃₂ in.). Coll. du FRAC Pays de la Loire.
  • Jean-Michel Sanejouand, Espace critique couleur, 2006, Acrylique sur papier / Acrylic on paper. 34,2 x 42,6 cm ( 13 ¹⁵/₃₂ x 16 ⁴⁹/₆₄ in.). Coll. du FRAC Pays de la Loire. Photo: Vaida Budreviciuté.
  • Jean-Michel Sanejouand, Le baiser (Espaces critiques), 2003. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 100 × 130 cm (39 ⅜ × 51 ⅛ in.).
  • Jean-Michel Sanejouand, 2003-02-28 (Espaces-Critiques), 2003. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 100 × 130 cm (39 ⅜ × 51 ⅛ in.).
  • Jean-Michel Sanejouand, Espace critique couleur (Espaces critiques), 2006. Acrylique sur papier / Acrylic on paper. 34,2 x 42,6 x 2,5 cm (13 ¹⁵/₃₂ x 16 ⁴⁹/₆₄ x ⁶³/₆₄ in.) Coll. du FRAC Pays de la Loire. Photo: Vaida Budreviciuté.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement II, FRAC des Pays de la Loire, Carquefou FR, 2012.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement I, Hab galerie, Nantes FR, 2012.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement I, Hab galerie, Nantes FR, 2012.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement I, Hab galerie, Nantes FR, 2012.
  • Jean-Michel Sanejouand, A l’écoute (Sculptures-peintures), 1999. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 60 x 81 cm ( 23 ⁵/₈ x 31 ⁵⁷/₆₄ in.).
  • Jean-Michel Sanejouand, Bi-plan, 1999. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 97x 130 cm ( 38 ³/₁₆ x 51 ³/₁₆ in.).
  • Jean-Michel Sanejouand, Le catamaran, 1997. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 130 x 162 cm ( 51 ³/₁₆ x 63 ²⁵/₃₂ in.). Coll. du FRAC des Pays de la Loire. Photo: Bernard Renoux.
  • Jean-Michel Sanejouand, Le baiser. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 36,1 x 44,1 cm ( 14 ⁷/₃₂ x 17 ²³/₆₄ in. ). Coll. du FRAC des Pays de la Loire. Photo: Vaida Budreviciuté.
  • Jean-Michel Sanejouand, 9.6.96, 1996. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 96 × 130 cm (37 ¾ × 51 ⅛ in.). Photo: Dorine Potel.
  • Jean-Michel Sanejouand, L’Îlien, 1994. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 130 × 195 cm (51 ⅛ × 76 ¾ in.).
  • Jean-Michel Sanejouand, Sans titre, 1995. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. Polyptyque en 4 parties. 263 x 393 cm ( 103 ³⁵/₆₄ x 154 ²³/₃₂ in. ) Coll. du Centre National des Arts Plastiques. Photo: Yves Chenot.
  • Jean-Michel Sanejouand, Le vieux poivron, 1996. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 97 × 130 cm (38 ¼ × 51 ⅛ inches). Photo: Dorine Potel.
  • Jean-Michel Sanejouand Deux-Deux, 1989, (Peintures en noir et blanc). Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 130 × 97 cm (51 ⅛ × 38 ¼ in.). Photo: Claire Dorn.
  • Jean-Michel Sanejouand, L’arbre aussi (30.6 – 24.7.89) (Peintures en noir et blanc), 1989. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. Diptyque / Diptych. Chaque toile: 162 x 130 cm ( Each canvas: 63 ²⁵/₃₂ x 51 ³/₁₆ in. ). Photo: lmari Kalkkinen
  • Jean-michel Sanejouand, Ca ira, Ca ira, 1989. Lithographie sur papier / Lithography on paper. Tirage: 1/100. 72 x 102 cm ( 28 ¹¹/₃₂ x 40 ⁵/₃₂ in.) Coll. du Centre National des Arts Plastiques.
  • Jean-Michel Sanejouand, 3/11/88, (Peintures en noir et blanc),1988. Acrylique sur toile / Acrylic on canvas. 130 × 97 cm (51 ⅛ × 38 ¼ in.). Photo: Claire Dorn.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement I, Hab galerie, Nantes FR, 2012.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement I, Hab galerie, Nantes FR, 2012.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement I, Hab galerie, Nantes FR, 2012.
  • Vue d’exposition / Installation view – Rétrospectivement I, Hab galerie, Nantes FR, 2012.
  • Jean-Michel Sanejouand, Espace-Peinture (Espaces-Peintures), 1983. Acrylique et vinylique sur toile / Acrylic and vinylic on canvas. 260 × 195 cm (102 ⅜ × 76 ¾ in.).
  • Jean-Michel Sanejouand, Espace-Peinture, 7.10.78 (Espaces-Peintures), 1978. Acrylique sur toile/ Acrylic on canvas. 89 × 116 cm (35 × 45 ⅝ inches). Photo: Dorine Potel
  • Jean-Michel Sanejouand, Espace-Peinture, 8.2.81, (Espaces-peintures), 1981. Acrylique et vinylique sur toile / Acrylic and vinylic on canvas. 89 × 116 cm (35 × 45 ⅝ in.) Coll. Nouveau Musée National de Monaco. Photo: Dorine Potel.
  • Jean-Michel Sanejouand, Espace-peinture, (Espaces-Peintures), 1978. Encre de Chine et gouache sur papier / China ink and gouache on paper. 50,2 x 65 cm ( 19 ⁴⁹/₆₄ x 25 ¹⁹/₃₂ in.) Coll. du FRAC Picardie. Photo: André Morin.
  • Jean-Michel Sanejouand, Calligraphie d’humeur, 1968. Feutre sur papier / Felt pen on paper. 9 x 32,5 cm ( 3 ³⁵/₆₄ x 12 ⁵¹/₆₄ in.). Collection du Centre Pompidou. Photo: Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP.
  • Jean-Michel Sanejouand, Calligraphie d’humeur, 1974. Encre de Chine sur toile / China ink on canvas. 90 × 190 cm (35 ⅜ × 74 ¾ inches).Collection du Centre Pompidou . Photo: Dorine Potel.
  • Jean-Michel Sanejouand, Calligraphie d’humeur, 1968. Feutre sur papier / Felt pen on paper. 9 x 32,5 cm ( 3 ³⁵/₆₄ x
    12 ⁵¹/₆₄ in.). Collection du Centre Pompidou. Photo: Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP.
  • Jean-Michel Sanejouand, Calligraphie d’humeur, 1968. Feutre sur papier / Felt pen on paper. 9 x 32,5 cm ( 3 ³⁵/₆₄ x
    12 ⁵¹/₆₄ in.). Collection du Centre Pompidou. Photo: Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP.
  • Vue d’exposition/ Installation view – Horizones, Fondation Pernod Ricard, Paris FR, 2022
  • Jean-Michel Sanejouand, Calligraphie d’humeur, 1974. Encre de Chine sur papier / China ink on paper. 90 x 190 cm (35 ⁷/₁₆ x 74 ⁵¹/₆₄ in.). Photo: Dorine Potel
  • Jean-Michel Sanejouand, Calligraphie d’humeur, 1974. Encre de Chine sur papier / China ink on paper. 90 x 190 cm (35 ⁷/₁₆ x 74 ⁵¹/₆₄ in.). Photo: Dorine Potel
  • Jean-Michel Sanejouand, Calligraphie d’humeur, 1974. Encre de Chine sur papier / China ink on paper. 90 x 190 cm (35 ⁷/₁₆ x 74 ⁵¹/₆₄ in.). Photo: Dorine Potel
  • Jean-Michel Sanejouand, Organisation de l’espace du chantier situé sur l’emplacement de l’ancienne gare Montparnasse, 1970. Papier plastifié marouflé sur bois / Laminated paper smoothed on wood. Panneau 1/3 (Board 1/3). Ensemble: 360 x 330 cm. (All: 141 ⁴⁷/₆₄ x 129 ⁵⁹/₆₄ in.). Panneau 1: 120,1 x 75,1 cm. ( 1st board: 47 ¹/₄ x 29 ⁹/₁₆). Coll. du Centre National des Arts Plastiques.
  • Jean-Michel Sanejouand, Schéma d’organisation des espaces de la vallée de la Seine entre Paris et Le Havre, 1969 – 1978. Papier plastifié marouflé sur bois / Laminated paper smoothed on wood. Panneau 1/38 (Board 1/38) Ensemble: 144 x104 cm. (All: 56 ¹¹/₁₆ x 40 ¹⁵/₁₆ in.) Chaque panneau: 144 x 104 cm ( All: 56 ¹¹/₁₆ x 40 ¹⁵/₁₆ in.). Coll. du Centre National des Arts Plastiques.
  • Jean-Michel Sanejouand, Organisation de l’espace de la cime du Vésuve, 1972. Papier stratifié sur panneau / Stratified paper on a board. Panneau 1/2. Ensemble: 233 x 188 (All: 91 ⁴⁷/₆₄ x 74 ¹/₆₄ in.). Panneau 1: 117 x 93,8 cm ( 1st board: 46 ¹/₁₆ x 36 ⁵⁹/₆₄ in. ). Coll. du Centre National des Arts Plastiques. Photo: Yves Chenot.
  • Jean-Michel Sanejouand, Organisation de l’espace d’une station de sports d’hiver implantée sur 3 niveaux d’altitude, 1970. Panneau 1/2 (Board 1/2). Ensemble: 372 x 300,5 cm. (All: 146 ²⁹/₆₄ x 118 ⁵/₁₆ in.). Panneau 1: 186 x 200,5 cm ( 73 ¹⁵/₆₄ x 78 ¹⁵/₁₆ in.). Coll. du Centre National des Arts Plastiques. Photo: Yves Chenot.
  • Jean-Michel Sanejouand, Jeu de topo, 1963-76. Plateau de jeu en plexiglas gravé, 2 ensembles de 8 cailloux / Engraved plexiglas game board, 2 sets of 8 stones. 50 × 50 × 9 cm (19 ⅝ × 19 ⅝ × 3 ½ in.). Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Jeu de topo, 1963-76. Plateau de jeu en plexiglas gravé, 2 ensembles de 8 cailloux / Engraved plexiglas game board, 2 sets of 8 stones. 50 × 50 × 9 cm (19 ⅝ × 19 ⅝ × 3 ½ in.). Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Jeu de topo, 1963-76. Plateau de jeu en plexiglas gravé, 2 ensembles de 8 cailloux / Engraved plexiglas game board, 2 sets of 8 stones. 50 × 50 × 9 cm (19 ⅝ × 19 ⅝ × 3 ½ in.). Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Jeu de topo, 1963-76. Plateau de jeu en plexiglas gravé, 2 ensembles de 8 cailloux / Engraved plexiglas game board, 2 sets of 8 stones. 50 × 50 × 9 cm (19 ⅝ × 19 ⅝ × 3 ½ in.). Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Kayak grillé, 1965. Kayak et grillage / Kayak and wire fence. 80 x 80 x 520 cm (31 ¹/₂ x 31 ¹/₂ x 204 ²³/₃₂ in.). Coll. du FRAC Alsace.
  • Vue d’exposition/ Installation view – Rétrospectivement II, FRAC des Pays de la Loire, Carquefou FR, 2012.
  • Jean-Michel Sanejouand, Toile noire et miroir, 1963. Tissu noir sur chassis en bois, miroir / Black fabric on wooden stretcher, mirror. 195×260 cm (76 3/4 x 102 3/8 in.) Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Bloc-cuisine (Charges-Objets), 1969. Deux éléments de cuisine, un bouquet de fleur en plastique, un coussin et deux morceaux de mousse / Two kitchen units, a plastic flower bouquet, a cushion and two pieces of foam. 79 × 155 × 53 cm (31 ⅛ × 61 × 20 ⅞ in.). Coll. du FRAC des Pays de la Loire. Photo: Bernard Renoux.
  • Jean-Michel Sanejouand, Zoé (Charge-objet), 1963. Verre peint, céramique, formica, acier chromé. 18 × 40 × 35 cm (46 ½ × 15 ¾ × 13 ¾ in.). Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Orange à saisir (Charges-Objets), 1966. Bois, toile, métal/ Wood, canvas, metal. 280 × 40 × 11 cm (110 ¼ × 15 ¾ × 4 ⅜ in.). Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Linoléum, châssis et plaque métallique perforée (Charges-Objets), 1966. Linoléum, châssis et métal / Linoleum, canvas and metal. 146 × 114 × 70 cm (57 ½ × 44 ⅞ × 27 ½ in.). Coll. Galerie Kreo.
  • Jean-Michel Sanejouand, Fauteuil et carré de toile rouge (Charges-Objets), 1966. Fauteuil en skaï noir et toile en tissu rouge montée sur châssis / Black skaï arm chair and red canvas on a frame. 179 × 100 × 94 cm (70 ½ × 39 ⅜ × 37 in.). Coll. du FRAC Île-de-France, Le Plateau.
  • Vue d’exposition/ Installation view – Rétrospectivement II, FRAC des Pays de la Loire, Carquefou FR, 2012.
  • Jean-Michel Sanejouand, Feuille plastique, grillage plastique et toile de bâche ( Charges-objets), 1966. Acétate de cellulose, grillage plastique, toile / Cellulose acetate, plastic wire fence, canvas. 146 × 114 × 13 cm (57 ½ × 44 ⅞ × 5 ⅛ in.). Coll. du FRAC des Pays de la Loire. Photo: Marc Domage.
  • Jean-Michel Sanejouand, Porte-Boules, 1963. Cailloux peints, cuir / Stone, acrylic, leather, 7 × 25 cm (2 3/4 x 9 7/8 in.). Photo : Ilmari Kalkkinen
  • Vue d’exposition/ Installation view – All over , Galerie des galeries, Galeries Lafayette, Paris FR, 2016.

    Biographie

    Jean-Michel Sanejouand (1934-2021) est né à Lyon et vivait et travaillait à Anjou.

    Issue de la scène artistique des années 60, l’œuvre de Jean-Michel Sanejouand reste inclassable. Elle surprend par sa radicalité, sa remise en cause formelle permanente. Loin d’être le simple résultat de l’expression d’une liberté formelle, l’œuvre de Jean-Michel Sanejouand nourrie de nombreuses ruptures, a été saluée par de nombreuses institutions françaises et étrangères dont le Centre Georges Pompidou en 1995.

    Son travail se trouve dans de nombreuses collections publics telles que le Musée national d’art moderne/Centre Pompidou, le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, le Musée d’Art Contemporain de Lyon et Lille Métropole Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut.

    Plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées depuis les années 60 dont: Charges-Objets, MAMCO, Geneva (2015); Un peu d’espace(s) at Art : Concept, Paris in (2015); Rétrospectivement…, Frac Pays de la Loire, Carquefou/FR (2012); 1963-1995 rétrospective, Centre Pompidou, Paris/FR (1995); Rétrospective des Charges-Objets aux Espaces-Peintures, Palais des Beaux-Arts, Lyon/FR (1986).

    A la galerie

    Liens

    Artist’s website

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    • Vue d’exposition / Installation view Pierre Bellot, Les objets parlent, Art : Concept, Paris, 2022. Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Vue d’exposition / Installation view Pierre Bellot, Les objets parlent, Art : Concept, Paris, 2022. Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Pierre Bellot, Les objets parlent, 2022. Huile sur toile / Oil on canvas. 190 × 230 cm (74 3/4 × 90 1/2 inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Pierre Bellot, Le paravent, 2021. Huile sur toile / Oil on canvas. 170 × 230 cm (66 7/8 × 90 1/2 inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Pierre Bellot, Sans titre, 2022. Huile sur toile / Oil on canvas. 24 × 10 cm (9 1/2 × 3 7/8 inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Pierre Bellot, Le diable, 2022. Huile sur toile / Oil on canvas. 24 × 10 cm (9 1/2 × 3 7/8 inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Pierre Bellot, Sans titre (Fantôme), 2021. Huile sur toile / Oil on canvas. 19 × 24 cm (7 1/2 × 9 1/2 inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Pierre Bellot, William Morris, 2022. Huile sur toile / Oil on canvas. 32 × 42 cm (12 5/8 × 16 1/2 inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud.
    • Pierre Bellot, Le jardin des lettres, 2021. Huile sur toile / Oil on canvas. 130 × 162 cm (51 1/8 × 63 3/4 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Claire Dorn
    • Vue d’exposition / Installation view Les Pavillons, Art : Concept, 2021. Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Claire Dorn
    • Pierre Bellot, Boîte d’allumettes, 2021. Huile sur toile / Oil on canvas. 16 × 22 cm (6 1/4 × 8 5/8 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Romain Darnaud
    • Pierre Bellot, Les yeux du chat, 2021. Huile sur toile / Oil on canvas. 18 × 10 cm (7 1/8 × 3 7/8 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Claire Dorn
    • Pierre Bellot, Georgia O’Keeffe, 2021. Huile sur toile / Oil on canvas. 150 × 200 cm (59 × 78 3/4 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Claire Dorn
    • Vue d’exposition / Installation view Les Pavillons, Art : Concept, 2021. Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Claire Dorn
    • Pierre Bellot, Looking at flowers, 2021. Huile sur toile / Oil on canvas. 18 × 24 cm (7 1/8 × 9 1/2 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Romain Darnaud
    • Pierre Bellot, Montagnes Russes, 2020. Huile sur toile / Oil on canvas. 150 × 200 cm (59 × 78 3/4 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris, Photo Romain Darnaud
    • Pierre Bellot, Hola (gauche / left) ; Tête (droite / right), 2020, Huile sur toile / Oil on canvas. 18 × 10 cm (7 1/8 × 3 7/8 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Romain Darnaud
    • Pierre Bellot, Sans titre, 2020. Huile sur toile / Oil on canvas. 21 × 25 cm (8 1/4 × 9 7/8 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Claire Dorn
    • Pierre Bellot, Plante, 2020. Huile sur toile / Oil on canvas. 22 × 16 cm (8 5/8 × 6 1/4 inches)Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Romain Darnaud
    • Pierre Bellot, Jardin, 2020. Huile sur toile / Oil on canvas. 130 × 162 cm (51 1/8 × 63 3/4 inches). Courtesy the artist and Art : Concept Paris. Photo Romain Darnaud
    • Vue d’exposition / Installation view Bonjour, Galerie du Crous, Paris, juin 2019. Photo Romain Darnaud
    • Vue d’exposition / Installation view Bonjour, Galerie du Crous, Paris, juin 2019. Photo Romain Darnaud
    • Pierre Bellot, Bonjour, 2019. Huile sur toile / Oil on canvas. 18 × 10 cm (7 1/8 × 3 7/8 inches). Photo Pierre Bellot
    • Pierre Bellot, Shiba, 2019. Huile sur toile / Oil on canvas. 18 × 10 cm (7 1/8 × 3 7/8 inches). Photo Pierre Bellot

    Né en 1990, Pierre Bellot vit et travaille à Paris.

    « Le travail de Pierre Bellot s’articule autour de questions centrales de mise en scène et de construction de l’image. Dans ses peintures, il organise ses sujets – issus de sources photographiques diverses ou d’archives personnelles – pour créer des fictions dont la composition obéit à des règles propres et vient créer un sens nouveau. En débarrassant chaque élément de sa fonctionnalité originelle, s’établit alors un jeu formel où l’important devient le chemin qui traverse l’œuvre et associe chaque partie au tout. L’image apparaît ainsi comme le réceptacle de visions intérieures. Le sujet est un appât, le point de départ d’une structure artificielle dans lequel l’artiste vient piéger la réalité du motif de départ. »

    Texte de Cécile Debray
    Directrice du musée de l’Orangerie
    Viva Villa, Édition 2020, « Les vies minuscules »

    Diplômé de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris avec les félicitations du jury. Son travail a notamment été exposé à Avignon (Collection Lambert), à Paris (Bastille Design Center, Palais des Beaux-Arts, La Villette, Progress Gallery…) à New York (56 Henry) et à Berlin (Galerie Noah Klink). En 2019-2020, il a été membre de l’Académie de France à Madrid, à la Casa de Velázquez.

    Expositions à la galerie

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    En ligne

    Site de l’artiste

    Vidéo de présentation (Casa de Vélazquez, 2020)

    • Vue d’exposition / Installation view Ridiculously Yours! Art, Awkwardness and Enthusiasm. Courtesy the Artist; Art: Concept, Paris; Nathalie Karg, New York. Photo: Mick Vincenz, 2022 © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH
    • Vue d’exposition / Installation view Hey Lamarr – The Strange Women, La Galerie, Noisy-le-Sec, 2022. Photos © Salim Santa Lucia
    • Vue d’exposition / Installation view, Nina Childress, Le tombeau de Simone de Beauvoir, Musée des beaux-arts de Rouen, 2022
    • Vue d’exposition / Installation view, Nina Childress, Cils, Poils, Cheveux, Musée des Beaux-Arts de la Chaux-de-Fonds, 2022. Courtesy the Artist; Nathalie Karg, New York; Art : Concept, Paris. Photo Gaspard Gigon
    • Vue d’exposition / Installation view, Nina Childress, Cils, Poils, Cheveux, Musée des Beaux-Arts de la Chaux-de-Fonds, 2022. Courtesy the Artist; Nathalie Karg, New York; Art : Concept, Paris. Photo Gaspard Gigon
    • Nina Childress, Blow, 2022. Huile et pigments iridescents sur toile argentée. 81 × 54 cm (31 ⅞ × 21 ¼ inches). Courtesy the artist; Nathalie Karg, New York; Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud
    • Nina Childress, Lower Level Exhibits, 2022. Acrylique, huile et pigments phosphorescents sur toile argentée. 113,5 × 135,5 cm (44 ⅝ × 53 ⅜ inches)Courtesy the artist; Nathalie Karg, New York; Art : Concept, Paris. Photo Romain Darnaud
    • Sharon S. (grosse tête), 2021 huile sur toile / oil on canvas 260 x 210 cm
    • Paul, 2021, pigments phosphorescents et huile sur toile / phosphorescent pigments and oil on canvas, 33 x 41 cm
    • Verhoeven, 2021, huile sur toile / oil on canvas, 81 x 60 cm
    • Harehoeven, 2021, pigments iridescents et huile sur toile / phosphorescent pigments and oil on canvas, 50 x 40 cm
    • Blurriness (Adrienne), 2000
      huile sur toile / oil on canvas
      195 × 114 cm
    • Vue de l’exposition / Installation view Body Body, 2021-2022, Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA, Bordeaux. Photos : Jean-Christophe Garcia
      L’enterrement, 2011
      huile et peinture aérosol sur toile / oil and spray paint on canvas, 300 x 600 cm, triptyque. Collection privée / private collection
    • Vue d’exposition / Installation view, Body Body, FRAC MECA, 2022
    • Vue de l’exposition / Installation view, Lobody noves me, Fondation Ricard, Paris, 2020. Curator: Eric Troncy


    • Vue de l’exposition / Installation view, Lobody noves me, Fondation Ricard, Paris, 2020.Curator: Eric Troncy
    • Vue de l’exposition / Installation view, Lobody noves me, Fondation Ricard, Paris, 2020. Curator: Eric Troncy
    • Agent double (Lee Remick), 2021
      pigments phosphorescents et huile sur toile / phosphorescent pigments and oil on canvas, 61 X 50 cm
    • Bush, bottes rouges, 2020
      acrylique phosphorescente et huile sur toile / phosphorescent acrylic and oil on canvas, 250 x 180 cm. Collection MAC VAL / FR
    • Gilet bleu, 2019
      huile sur toile / oil on canvas, 24 x 41 cm
    • Jane (grosse tête),2019
      huile sur toile / oil on canvas, 250 x 180 cm, collection Musée d’Art Moderne, Paris
    • Hedy, 2012
      huile sur toile / oil on canvas, 250 x 200 cm, collection CNAP, Centre national des arts plastiques
    • Vue de l’exposition / Installation view Le rideau vert, Nouvelles vagues, Palais de Tokyo, Paris, 2013
    • The years of G.M., 2012
      huile sur toile / oil on canvas, 130 x 195 cm, collection Musée d’Art Moderne, Paris
    • Grande chambre verte, 2007
      huile sur toile / oil on canvas, 195 x 390 cm, triptyque, collection MAMCO, Geneva
    • Les couleurs éclatantes de la table et du bouquet étaient utiles pour égayer ce chevet que le tableau rendait austère. Vous devez renoncer à …la salle à manger. (Triptyque Onéguine), 2006 huile sur toile / oil on canvas 195 x 374 cm, triptyque, collection FRAC Nouvelle Aquitaine MÉCA, Bordeaux
    • Vue de l’exposition / Installation view La haine de la peinture,
      Détail et destin, MAMCO, Geneva/CH, 2009

    Biographie

    Nina Childress est une artiste peintre née en 1961 à Pasadena, USA, vivant et travaillant à Paris

    Issue de la scène punk alternative puis du collectif les Frères Ripoulin, elle n’a cessé de pratiquer la peinture depuis 1983. Alors qu’elle obtient un Master en Arts plastiques en 2006, elle décide de poursuivre sa recherche en peignant simultanément dans des styles différents. Offrant une revisite grinçante de l’histoire du portrait dans la culture populaire occidentale, sa peinture capte de plus en plus les clichés de représentations féminines. Pour certains tableaux, elle réalise plusieurs versions, oscillant entre perfectionnisme et « mal fait », entre réalisme et dessin caricatural : entre « Good » et « Bad ». En 2019-2020, Nina Childress commence à peindre à l’aide de pigments phosphorescents. Aujourd’hui, ses sujets se centrent davantage sur des portraits d’idoles féminines glamour du cinéma et de la chanson populaire, comme Sylvie Vartan, Kate Bush ou encore Hedy Lamarr. En 2020, Hedy Lamarr est également le modèle de sa première statue en bronze.

    Récemment, une exposition personnelle lui a été consacrée à La-Chaux-de-Fond (2022). En 2021, Nina Childress est nommée Chevalier de la Légion d’Honneur pour son parcours au service de la culture. Une grande rétrospective lui a été dédiée, en décembre 2021 à Bordeaux au FRAC MÉCA Nouvelle-Aquitaine. À cette occasion, son catalogue raisonné, depuis son premier tableau peint en 1980 jusqu’à ceux de 2020, est publié accompagné d’une autobiographie écrite par Fabienne Radi. Depuis 2019, elle est cheffe d’atelier à l’École des Beaux-Arts de Paris.

    Son travail est représentée par la galerie Nathalie Karg à New York et par la Galerie Art : Concept à Paris.

    Ses œuvres figurent dans les collections du Musée National d’Art Moderne, du Mamco de Genève, du Mac-Val, du Fond municipal d’art contemporain de la ville de Paris et de nombreux Frac.

    Links

    Site de l’artiste

    CV (pdf)Download
    Presse (2023)Download
    • Kate Newby, I like the way I am, 2023. Bronze, corde artisanale / Bronze, Handmade rope. Dimensions variable. Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo by Jorge Davalos Palma
    • Kate Newby, Kate Newby, a year in the wild, 2022. Verre, jaune d’argent / Glass, jaune d’argent. 37 × 37 cm (14 ⅝ × 14 ⅝ inches). Courtesy the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • Vue d’exposition / Installation view Feel Noise, Kate Newby and MacKenzie Stevens, 2022, Testsite, TX/US
    • Vue d’exposition / Installation view Carbonate of Copper, 2022, Artpace, San Antonio, TX/US
      Curator Jennifer Teets
    • Vue d’exposition / Installation view Carbonate of Copper, 2022, Artpace, San Antonio, TX/US
      Curator Jennifer Teets
    • Vues de l’exposition / Installation view « Réclamer la terre », 14.04.22 – 04.09.22, Palais de Tokyo, Paris. Courtesy the artist & Art : Concept, Paris. Photo Aurélien Mole
    • Vues de l’exposition / Installation view « Réclamer la terre », 14.04.22 – 04.09.22, Palais de Tokyo, Paris. Courtesy the artist & Art : Concept, Paris. Photo Aurélien Mole
    • Vues de l’exposition / Installation view « Réclamer la terre », 14.04.22 – 04.09.22, Palais de Tokyo, Paris. Courtesy the artist & Art : Concept, Paris. Photo Aurélien Mole
    • Vues de l’exposition / Installation view « Réclamer la terre », 14.04.22 – 04.09.22, Palais de Tokyo, Paris. Courtesy the artist & Art : Concept, Paris. Photo Aurélien Mole
    • Vue de l’exposition / Installation view, Kate Newby: Try doing anything without it, 2022, Art : Concept, Paris
    • Kate Newby, 5 minutes to everywhere, 2022, Bronze, 19,5 x 54 x 0,4 cm
    • Kate Newby, amazing all times of year, 2022. Laiton blanc, argent, verre trouvé (Auckland), grès, glaçure (6 pièces). Dimensions variables. Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • Try doing anything without it, 2022. Briques, pièces de monnaie, verre trouvé (Paris, Texas) / Bricks, coins, found glass (Paris, Texas). 324 x 397 cm. Produit aux / Produced at Rairies Montrieux. Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • Vue de l’exposition / Installation view, Kate Newby: Try doing anything without it, 2022, Art : Concept, Paris
    • Vue de l’exposition / Installation view, Kate Newby: Try doing anything without it, 2022, Art : Concept, Paris

    • Thank you for taking us along (à gauche/left), Her expression (à droite/right), 2022. Briques, mortier / Bricks, mortar. 324 x 10 x 11 cm (127 1/2 x 3 7/8 x 4 3/8 in). Produit aux / Produced at Rairies-Montrieux. Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • Vue de l’exposition / Installation view, Kate Newby: Try doing anything without it, 2022, Art : Concept, Paris
    • Vue de l’exposition / Installation view, Kate Newby: Try doing anything without it, 2022, Art : Concept, Paris
    • Kate Newby, Walking with a lot of people, 2022.Porcelaine de Limoges, verre, ficelle de fouet, corde de laine, fil de fer, jute, ruban, fil, or, bronze. Dimensions variables Dimensions variables. Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • Kate Newby, Walking with a lot of people, 2022.Porcelaine de Limoges, verre, ficelle de fouet, corde de laine, fil de fer, jute, ruban, fil, or, bronze. Dimensions variables Dimensions variables. Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • Kate Newby, Walking with a lot of people, 2022.Porcelaine de Limoges, verre, ficelle de fouet, corde de laine, fil de fer, jute, ruban, fil, or, bronze. Dimensions variables Dimensions variables. Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur

    • Generous and with light, 2019. Verre, corde de laine, câble / glass, wool rope, wire, dimensions variables Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur

    • Generous and with light, 2019. Verre, corde de laine, câble / glass, wool rope, wire, dimensions variables Courtesy of the artist and Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • :
      Kate Newby. Grows and grows on you, 2021
      Argile, bris de verres collectés, crayon dermographique, 3700 éléments.
      Vue d’exposition / Installation view Musée d’art contemporain de Haute-Vienne – Château de Rochechouart
      photo: Aurélien Mole
    • Kate Newby, ‘Sorry fingers keep going’, 2018. Laiton blanc, porcelaine, argent, laiton, grès et émail, 8 pièces.
    • Kate Newby, ‘Let me be the wind that pulls your hair’, 2017, Vue d’exposition (détail), Artpace, San Antonio, TX, USA
    • Kate Newby, ‘I can’t nail the days down’, 2018. Vue d’exposition (détail), Kunsthalle Wien, Vienne, Autriche
    • Kate Newby, ‘I can’t nail the days down’, 2018. Vue d’exposition (détail), Kunsthalle Wien, Vienne, Autriche
    • Kate Newby, ‘lit by lightning’, 2019. Verre, en deux parties, 9,4 x 18 x 29cm, 8,8 x 20 x 11,5cm.
    • Kate Newby, ‘Bring Everyone’, 2019. Verre, dimensions variables en fonction du site.
    • Kate Newby, ‘The more I listen to it the more I love it’, 2017. Verre, bouteilles de bière. Détail de l’exposition, Fondation d’art contemporain suédois, Stockholm, Suède.
    • Kate Newby, ‘Not this time, not for me’, 2017. Mortier, couleur béton, argent, laiton blanc, porcelaine, corde de coton, verre, grès. Détail de l’exposition, SculptureCenter, New York, NY, États-Unis.
    • Kate Newby, ‘Let me be the wind that pulls your hair’, 2017. Détail de l’exposition, Artpace, San Antonio, TX, États-Unis.
    • Kate Newby, ‘A rock in this pocket’, 2018. Briques, verre, céramique, métal Vue de l’exposition, 21e Biennale de Sydney, Sydney, Australie.

    Biographie

    Kate Newby est née à Auckland, Aotearoa (Nouvelle-Zélande) en 1979 et travaille aux États-Unis où elle réside. En 2015, elle a obtenu le doctorat conferé par l’École des beaux-arts Elam à l’université d’Auckland.

    Travaillant avec une variété de supports dont l’installation, le textile, la céramique, la fonte et le verre, Kate Newby est une sculptrice qui s’attache à explorer la nature même de la sculpture et à en repousser les limites. Si la main occupe un rôle très important dans son travail, ce n’est pas seulement romantique ni même rétrograde, mais plutôt le dérivé esthétique d’une position qui embrasse sans honte l’expérience directe plutôt que l’expérience médiatisée.

    Son travail a été montré à la 21e Biennale de Sydney en 2018, ainsi que dans différentes institutions et galeries à travers le monde : au Te Papa Tongarewa, Museum of New Zealand, à Wellington en Nouvelle-Zélande; au Palais de Tokyo à Paris (2022); au Musée de Rochechouart, (2021); à l’Institut d’Art contemporain de Villeurbane (2019); à Lumber room, Portland, OR (2019); à la Kunsthalle de Vienne (2018), à la Kunsthaus Hamburg, (2018); à Index, Contemporary Swedish Art Foundation (2017) et au SculptureCenter, NY (2017).

    Kate a effectué des residences à : The Joan Mitchell Foundation (2019), The Chinati Foundation (2017), Artpace (2017), Fogo Island (2013), et the International Studio & Curatorial Program ISCP (2012).

    Elle a gagné en 2012 le Walters Prize, le plus grand prix d’art contemporain néo-zélandais et le prix Ettore Fico (Turin, IT) en 2022.

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    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue d’exposition / Installation view Tania Pérez Córdova. Generalization, Museo Tamayo, 2022.
      Photography by Gerardo Landa and Eduardo López (GLR Estudio). Courtesy of Museo Tamayo.
    • Vue de l’exposition/Installation view, Tania Pérez Córdova, All our explanations, Art: Concept, 2022. Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo by: Nicolas Brasseur
    • Vue de l’exposition/Installation view, Tania Pérez Córdova, All our explanations, Art: Concept, 2022. Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo by: Nicolas Brasseur
    • Vue de l’exposition/Installation view, Tania Pérez Córdova, All our explanations, Art: Concept, 2022. Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo by: Nicolas Brasseur
    • Tania Pérez Córdova, Strelitzia, 2022, Artificial plant, stainless steel, chain, Leaf 80 x 27 x 38 cm ; chain : variable dimensions. Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo © Nicolas Brasseur
    • The politicians are saying (Los políticos están diciendo), 2022 , Aluminium cast, water, artificial saliva, plastic irrigation system, dripping timed to a speech, 74 × 80 × 64 cm (29 ⅛ × 31 ½ × 25 ¼ inches, Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo © Nicolas Brasseur
    • Tania Pérez Córdova, Empty days (Found dead bees, shade of 11 inches macbook air, red velvet lipstick, fragment of a plastic bag, thread, fragment of a tag, tape, paper found on wet pavement, fragment of a leaf, fragment of packing material, lettuce leaf, candy wrapping, dust, color. We didn’t need all those things we bought), 2022, Stratified glass, mixed materials, stainless steel, 140 × 80 × 3 cm (55 ⅛ × 31 ½ × 1 ⅛ inches), Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo © Nicolas Brasseur
    • Tania Pérez Córdova, Strike (Huelga), 2018-2022, Bread cooked with cigarettes. Reenactment of a strike, 17,5 × 15 × 14 cm (6 ⅞ × 5 ⅞ × 5 ½ inches), Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo © Nicolas Brasseur
    • Vue de l’exposition/Installation view, Tania Pérez Córdova, All our explanations, Art: Concept, 2022. Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo by: Nicolas Brasseur
    • Tania Pérez Córdova, Todas nuestras explicaciones, 2022, Béton coloré, glace en train de fondre, 26,5 x 38 x 9,5cm. Courtesy of the artist & Art : Concept, Paris. Photo Nicolas Brasseur
    • Tania Pérez Córdova, Small Tragedies 1 (There are dead bees on the ground, they are in extinction, I explain it to my son, whose clothes no longer fit, and have holes, other holes are made by pests, others can be handmade, it is triple filter, it is just dust, It’s blush, it’s trash, it is myopia, it is astigmatism; we didn’t need all those things we bought.), 2021, Verre stratifié : fenêtre de musée réutilisée, abeilles trouvées, lentilles de contact, fragments de vêtements, reçus imprimés, feuille, fard, poussière, miettes de pain, fragment de masque N95, sac plastique, plasticine, ruban adhésif, filtre UV. 150 × 80 cm (59 × 31 ½ inches)
    • Tania Pérez Córdova, We Belong /We Dissent (de la série Things in Pause), 2017, marbre, corde de guitare empruntée, 91 x 65 x 3 cm. Vue d’exposition Indus 2. Photo Fabrice Gousset
    • Tania Pérez Córdova, Substraction 1, 2018, Fer (cocotte hollandaise Le Creuset qui a été coulé, fondu et refondu dans son propre moule), 2 parties, pot 31 x 22 x 10 cm ; couvercle : 24,4 x 15 cm.
    • Tania Pérez Córdova, Sincere I Non-sincere, 2018, collier en facsimilé or, obsidienne, eau, 26 x 44 x 13 cm. Photo Fabrice Gousset
    • Tania Pérez Córdova, Paisaje, 2018, aluminium, matériaux divers (fragment de clôture coulé, fondu, et recast dans son propre moule), dimensions
      variables
    • Tania Pérez Córdova, Paisaje, 2018, aluminium, matériaux divers (fragment de clôture coulé, fondu, et recast dans son propre moule), détail
    • Tania Pérez Córdova, Panorama, 2020, bronzage artificiel par aérographe professionnel sur toile, 210 × 116 cm (82 7/10 × 45 7/10 in)
    • Tania Pérez Córdova, Voice, 2013, carte sim empruntée, porcelaine, 36,5 x 25,8 cm (14 3/8 x 10 3/16 in). Photo : Claire Dorn. Courtesy of the artist, José García and Galerie Perrotin
    • Tania Pérez Córdova, vue d’installation, Daylength of a room, vue sur, 3 figures en train de réfléchir ; deux debout, une assise, 2018, Kunsthalle Basel, 2018. Photo Philipp Hänger / Kunsthalle Basel.
    • Tania Pérez Córdova, vue d’installation, Daylength of a room, Kunsthalle Basel, 2018. Photo Philipp Hänger / Kunsthalle Basel
    • Tania Pérez Córdova, vue d’installation Daylength of a room, Kunsthalle Basel, 2018. Photo Philipp Hänger / Kunsthalle Basel
    • Tania Pérez Córdova, vue d’installation Daylength of a room, Kunsthalle Basel, 2018. Photo Philipp Hänger / Kunsthalle Basel
    • Vue d’installation de l’exposition de Tania Pérez Córdova, Short Sight Box à la galerie Tina Kim, 2020. Photo Hyunjung Rhee
    • Vue d’installation de l’exposition de Tania Pérez Córdova, Short Sight Box à la galerie Tina Kim, 2020. Photo Hyunjung Rhee
    • Tania Pérez Córdova, Short Sight Box – Hole E, 2020, Impression d’un trou creusé dans un champ, terre, racines de plantes, plâtre, grillage, peinture émaillée, perle des mers du Sud, perle artificielle, 80 × 66 × 26,7 cm (31 1/2 × 26 × 10 1/2 in).

    Biographie

    Tania Pérez Córdova (née en 1979) est une artiste mexicaine née à Mexico où elle vit et travaille. Après avoir étudié à l’école des beaux-arts de Mexico, elle a obtenu une licence en beaux-arts au Goldsmiths College de Londres.

    L’œuvre de Tania Pérez Córdova se développe à travers une grande variété de médiums, à savoir la sculpture, les objets trouvés et l’installation, mais aussi la photographie et la performance grâce auxquels elle explore les relations contextuelles qui se tissent entre les objets du quotidien. Les éléments visuels qu’elle nous présente sont en effet à comprendre dans le contexte d’une narration plus large dont les titres donnent les clés – l’artiste aime d’ailleurs parler de « situations » pour désigner ses œuvres.

    « L’œuvre de Tania Pérez Córdova se révèle par strates de différentes technologies, époques et matériaux – poudre à canon, cendres de cigarette, maquillage, mousse, bronze versé dans du sable, bijoux – pour présenter de poétiques clichés d’une narration passée ou qui peut encore advenir. Ses sculptures élégantes sont des questions qui flottent dans l’air, un sentiment inarticulé.

    Dans ses créations intimes, les vestiges de la présence humaine peuvent être décelés là où de nouvelles fonctions sont données aux objets ; un médaillon en cannettes de bière fondues piégé entre une fenêtre en verre recyclée, un moulage en bronze de la poche de quelqu’un, une lentille de contact colorée sur du marbre. Elle active souvent ses sculptures à travers un jeu performatif, comme par exemple par la présence d’une personne dans la galerie portant la lentille de contact ou la boucle d’oreille dont le double fait partie de l’une des sculptures. »*

    *Texte d’Elizabeth Fullerton

    Son travail a été présenté dans des expositions personnelles au Museo Tamayo à Mexico (2022-2023), à la Kunsthalle de Bâle (2018) et au Musée d’art contemporain de Chicago (2017) et prochainement au Sculpture Center de New York (2024). Il fait partie d’importantes collections publiques telles que celles des Museum of Contemporary Art Chicago/US, Tamayo Museum/MEX, Jumex Collection/MEX, San Francisco Moma/US, Cisneros Collection/US-VEN, Museo Amparo/MEX, Adrastus collection/ESP.

    ‘All our explanations’ présentée chez Art : Concept en janvier 2022 est sa première exposition personnelle en France.

    À la galerie

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    • Sesquicentenial, 2017, huile sur toile, 85,4 x 140,7 cm. Collection publique : CNAP FR
    • Le tube téléchrome / The Telechrome Tube, 2017, huile sur toile, 130,8 x 85,2 cm. Collection publique : CNAP FR
    • Le tube téléchrome / The Telechrome Tube, détail, 2017, huile sur toile, 130,8 x 85,2 cm. Collection publique : CNAP FR
    • Calais combi, 2017, huile sur toile, 84,6 x 140,4 cm. Collection publique : CNAP FR
    • Maria, 2017, huile sur toile, 74,9 x 130 cm. Collection publique : CNAP FR
    • Vue d’exposition, Andrew Lewis, Vers une boîte éclairée / Crystal Palace Transmissions, 2018
    • Vue d’exposition, Andrew Lewis, Vers une boîte éclairée / Crystal Palace Transmissions, 2018
    • Vue d’exposition, Andrew Lewis, Vers une boîte éclairée / Crystal Palace Transmissions, 2018
    • Sir Christopher Cam Cams, 2017, huile sur toile, 108,8 x 121,3 cm. Disponible
    • V.A.B (Victoria & Albert Building), 2017, huile sur toile, 112 x 90,6 cm. Disponible
    • Field studies (les études en extérieur), 2012, huile sur toile, 53 x 100,5 cm. Disponible
    • Field analysis (L’analyse en extérieur), 2012, huile sur toile, 71,2 x 129,5 cm, Disponible
    • Chez Elizabeth Wydeville (With Elizabeth Wydeville), 2012 huile sur toile, 110 x 90 x 3,50 cm. Collection privée FR
    • Dynamique de groupe (Group Dynamics), 2012, huile sur toile, 90 x 90 x 3,5 cm. Collection publique : MONA, Tasmanie
    • Chords of Affection, 2010, techniques mixtes,
      190 x 210 x 81 cm. Disponible
    • Félicité, 2009, pastel et huile sur bois 136,5 x 94,5 cm. Collection privée NL
    • L’avenir sera banal, 2009, crayon et huile sur bois,
      140 x 82 cm. Collection privée NL
    • L’avenir sera banal, 2009, crayon et huile sur bois, 140 x 82 cm. Collection privée NL
    • Hoedown, 2009, pastel et huile sur bois, 92 x 131 cm. Collection privée NL
    • Couronne impériale, 2005, diptyque, tirage numérique contre-collé sur aluminium, 80 x 115 cm. Disponible
    • Couronne impériale, 2005, diptyque, tirage numérique contre-collé sur aluminium, 80 x 115 cm. Disponible
    • Sur rendez-vous, 2005, tirage numérique contre-collé sur aluminium 115 x 80 cm, ed 8. Disponible
    • Les objets tendres, 2005, tirage numérique contre-collé sur aluminium, 80 x 115 cm. Disponible
    • Pas même mes rêves satisfont les vrais besoins de mon coeur, 2005, tirage numérique contre-collé sur aluminium, 115 x 80 cm, ed.8. Disponible
    • Vue d’exposition, Points de vues, Musée Départemental d’Art Contemporain, Rochechouart, 2005
    • Vue d’exposition, Points de vues, Musée Départemental d’Art Contemporain, Rochechouart, 2005
    • L’igloo, 2003, fusain sur papier, 80,01 x 120 cm. Collection privée CH
    • Futur Centre d’Espace International, 2003, fusain sur papier, 120 x 80 cm. Disponible
    • La grande muraille de Chine, 2003, fusain sur papier
      80,01 x 120 cm. Collection privée FR
    • La pagode (Chine), 2003, fusain sur papier
      80,01 x 120 cm, 80 x 120 cm. Disponible
    • Le château fort, 2003, fusain sur papier, 80 x 120 cm. Disponible
    • Lutte d’espace, 2003, carton, bois, 200 x 180 x 160 cm. Collection publique : FRAC ALSACE FR
    • Sasha, 1993, carton, 43,18 x 48,26 x 48,26 cm. Collection privée IT

    Biographie

    Né en 1968 à Londres, Andrew Lewis vit et travaille à Argenton-sur-Creuse.

    L’artiste développe cette idée de l’interaction entre les personnages aussi bien humains que sculptés et leur environnement immédiat créant ainsi une dynamique de groupe. Ses œuvres montrent les innovations et l’ingéniosité que nous avons mises en place pour nous adapter et croître au sein de notre société, qui de fait s’est mise à fonctionner comme un organisme abolissant les privilèges, cassant les codes qu’elle avait aimé créer peu de temps auparavant. Andrew Lewis tente de réaliser une synthèse originale : transposer en peinture des personnages calmes et hiératiques interagissant avec le temps, qui, lui, passe, bouge, évolue. Ses personnages rappellent ceux de Robert Musil, ces hommes et ces femmes sans « qualités » évidentes, qui, débarrassés des scories de leur milieu et de leur époque deviennent réceptifs aux expérimentations et agissent comme une sorte de polyconscience transhistorique.

    Son travail est présent dans les collections suivantes : Arts Council Collection, Londres ; Stedelijk Museum, Amsterdam ; FRAC Alsace, Sélestat ; FRAC Limousin, Limoges. Expositions : Vers une boîte éclairée / Crystal Palace Transmissions, Art:Concept, Paris (2017) ; Les filtres harmoniques, Art:Concept (2012) ; Archi-Peinture, Le Plateau/Frac Ile-de-France, Paris & Camden Arts Center, Londres (2006).

    Il a récemment participé aux expositions collectives suivantes: Varia, Abbaye Saint-André, Centre d’Art Contemporain, Meymac/FR; Monument, FRAC Alsace, Sélestat/FR.

    À la galerie

    Téléchargements

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    • TB103 (autumn), 2018 aquarelle, crayon et encre
      157,48 x 109,22 cm
      encadré: 157,48 x 109,22 cm
    • TB103 (winter), 2018 aquarelle, crayon et encre
      157,48 x 109,22 cm
      encadré: 157,48 x 109,22 cm
    • TB103 (spring), 2018 aquarelle, crayon et encre
      157,48 x 109,22 cm
      encadré: 157,48 x 109,22 cm
    • TB103 (summer), 2018 aquarelle, crayon et encre
      157,48 x 109,22 cm
      encadré: 157,48 x 109,22 cm
    • La Tour Cuisine, 2018 bronze 36 x 36 x 63 cm. ed 1/3 + 2 AP
    • La Tour Cuisine, 2018 bronze 36 x 36 x 63 cm. ed 1/3 + 2 AP
    • La Tour Cuisine, 2018 bronze 36 x 36 x 63 cm. ed 1/3 + 2 AP
    • La Tour Cuisine, 2018 bronze 36 x 36 x 63 cm. ed 1/3 + 2 AP
    • La Tour Maquette, 2018 bronze 30,5 x 30,5 x 45 cm ed 1/3 + 2 AP
    • La Tour Maquette, 2018 bronze 30,5 x 30,5 x 45 cm ed 1/3 + 2 AP
    • TB56, 2017 aquarelle et encre sur papier 55,7 x 39,2 cm encadré : 58,7 x 42,2 cm
    • TB15, 2017 aquarelle et encre sur papier 44,5 x 36,9 cm. encadré : 47,5 x 39,9 cm.
    • TB68, 2017 encre sur papier 72,3 x 109,7 cm encadré : 74,6 x 113,3 cm.
    • TB102, 2018 aquarelle et impression jet d’encre sur papier 18,6 x 36,5 cm. encadré : 21,8 x 39,5 cm
    • Vue d’installation, The Chorus, Art : Concept, Paris, 2014
    • Vue d’installation, The Chorus, Art : Concept, Paris, 2014
    • Front Page, 2013, giclee et aquarelle sur papier, 41,6 x 28,6 cm.
    • Business, 2013, aquarelle sur papier, 41,6 x 57,2 cm.
    • Harry Foulbreech, 2013, bronze, feuille d’argent, 45 x 24 x 25 cm
    • Bullen, 2013, bronze, 44 x 25 x 26 cm
    • The Humans, performance, Rotterdamse Schouwburg, Rotterdam, 2013
    • The Miracle (Manna from Heaven), 2013, aquarelle, graphite sur impression ultrachrome, collage, 120 x 80 cm
    • Vue d’installation, Assembly Instructions: The Pledge, The Drawing Center, New York, 2013
    • Vue d’installation, Assembly Instructions: The Pledge, The Drawing Center, New York, 2013
    • The School for Objects Criticized, 2010, matériaux mixtes, son,
      dimensions variables
    • The School for Objects Criticized (détail), 2010, materiaux mixtes, son
      dimensions variables
    • Dynasty, Palais de Tokyo & Musée d’Art moderne de la ville de Paris, 2010, ©P.Antoine
    • The Economist (EmoTion Chest), 2007, collage de découpes du journal « The Economist » sur bois aggloméré, encadré et sous verre, 63,5 x 91,5 x 4 cm
    • The Economist (EmoTion Chest), 2007, collage de découpes du journal « The Economist » sur bois aggloméré, encadré et sous verre, 63,5 x 91,5 x 4 cm

    Biographie

    Né en 1980 à Bordeaux, Alexandre Singh vit et travaille à Paris et à New York.

    Récompensé en 2012 par le Prix Meurice pour l’art contemporain, il se distingue par un travail protéiforme qui évolue entre écriture, performance, collage, installation et sculpture. Ces différentes pratiques, loin d’être hermétiques, travaillent de concert pour mener vers une œuvre totale qui questionne la nature humaine, sa genèse, ses tares et ses multiples visages. Les références de l’artiste, tout aussi hétéroclites, donnent naissance à des personnages et récits hérités indistinctement de la culture populaire – l’univers publicitaire et télévisé –, du répertoire dramatique classique (Molière), comme de la comédie grecque antique (Aristophane). Cet assemblage d’images et de références évoque ses premiers travaux de collage, comme ses séries The Economist (2006) et Assembly Instructions (2008-2011) qui puisent autant leurs sources dans les Essais de Montaigne que dans les catalogues Ikea. En 2012, il signe sa première pièce de théâtre, The Humans, élaborée lors de sa résidence au Witte de With et présentée au Rotterdamse Schouwburg, à la Brooklyn Academy of Music de New York et au programme du festival d’Avignon en 2014.

    Son travail est présent dans les institutions suivantes : le Centre national des arts plastiques (Paris), le FRAC des Pays de la Loire (Carquefou, France), le Solomon R. Guggenheim Museum ou encore The Museum of Modern Art à New York.

    Plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées en Europe et aux États-Unis. En 2011 il présente son installation La Critique de l’école des objets au Palais de Tokyo (Paris) – montrée initialement au New Museum de New-York en 2010 – puis Assembly Instructions : The Pledge à la galerie Monitor (Rome) et chez Art : Concept (Paris), également montrée au Drawing Center (New-York) en 2013. Cette même année il propose The Humans chez Metro Pictures (New York), puis chez Sprüth Magers (Londres) en 2014. En 2019 il présente une exposition personnelle au Fine Arts Museums of San Francisco (Californie). Son travail a été également montré pendant la Whitney Biennial, la Bienniale de Lyon et Manifesta 8.

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