L’exposition « Body Body » de Nina Childress revient sur 40 années de création ininterrompue. Il s’agit de la 1ère rétrospective française pour cette artiste entièrement consacrée à la peinture.

Son titre renvoie à l’expression américaine « body of work », mais aussi à l’importance de la représentation du corps dans ses œuvres, ainsi qu’au phénomène de répétition ou de double.

De cette exposition d’une centaine de tableaux, sur les 1081 peintures (titre de son catalogue raisonné*) produites entre août 1980 et fin 2020, émergent plusieurs lignes de forces et sujets récurrents : la série et ses déclinaisons (boîtes Tupperware, bonbons, savons, jouets…), la question du portrait (icônes, statues, effigies, autoportraits…) ou à l’inverse une absence de corps (les Hair Pieces, les intérieurs, les sièges vides…). Partout, la norme et la subversion sont questionnées.

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Installation view Ulla von Brandenburg, Eine Landschaft ohne Blau, wie ungefähr, Weserburg Museum für moderne Kunst. Photo Tobias Hübel. Courtesy de l’artiste, Art : Concept (Paris); Meyer Riegger (Berlin/Karlsruhe); Pilar Corrias Gallery (Londres) et Produzentengalerie Hamburg

The exhibition ‘A landscape without blue, what would you say’ (a quotation from Goethe’s panels on colour theory and their explanation) has been specially designed for the rooms of the Weserburg Museum of Modern Art. This is the first exhibition of the artist’s work on this scale in Germany and the first museum exhibition of her work in Northern Germany.

Weserburg Museum für moderne Kunst
Teerhof 20, 28199 Bremen, Germany

Jeremy Deller, Welcome to the ShitShow!, autocollant, 2021
© Jeremy Deller, Courtesy the artist, Art : Concept, Paris & The Modern Insitute, Glasgow
Produit par The Modern Institute pour l’exposition ‘Warning Graphic Content’

Jeremy Deller – Printed Matters

Matthew Higgs

La chose la plus importante à savoir sur l’artiste Jeremy Deller est peut-être qu’il n’a ni étudié ni suivi de formation pour devenir artiste. Ce fait est important, car il inscrit Jeremy Deller dans l’histoire des artistes dits “autodidactes” : un ensemble d’individus qui sont parvenus à faire de l’art, ou quelque chose qui ressemble à de l’art, par d’autres moyens, par d’autres voies. Fuyant les écoles d’art, Deller a étudié l’histoire de l’art, d’abord dans le cadre formel de l’Institut Courtauld de Londres, où il s’est spécialisé dans l’art baroque d’Europe du Sud, puis à l’Université du Sussex, où il a étudié avec David Mellor (l’entrée Wikipedia de Mellor identifie notamment Deller comme son ancien étudiant).

À Sussex, les intérêts de Deller se sont élargis pour englober une compréhension plus large et plus poreuse du rôle que l’art et l’artiste peuvent jouer dans la société. Informé et influencé par la pensée prémonitoire des pionniers de ce que l’on a appelé les Cultural Studies – Raymond Williams, Richard Hoggart, Stuart Hall, etc. – le travail de Deller, au cours des trois décennies suivantes, reflète et amplifie leur désir de comprendre la culture “dans toutes ses formes complexes”, tout en analysant simultanément “le contexte social et politique dans lequel la culture se manifeste”.

L’émergence de Deller en tant qu’artiste a été organique. Il a décrit sa rencontre avec Andy Warhol en 1986 à Londres comme un moment décisif : « Rencontrer Andy Warhol est la chose la plus importante qui me soit arrivée dans ma vie jusqu’à ce moment-là ». Les deux semaines qu’il a ensuite passées à New York dans la sphère de Warhol à la Factory « se sont avérées être l’éducation artistique que je n’avais jamais eue – l’équivalent d’un cours de base et de diplômes de BFA et de MFA en quinze jours ». Grâce à Warhol, Deller a compris « qu’un artiste peut faire ce qu’il veut. Il n’y a pas de limites ».

Dès le début, le sujet du travail de Deller a été une considération du passé récent : un examen de la façon dont nos histoires sociales, culturelles et politiques partagées informent et façonnent à la fois le présent et l’avenir – une approche qui est évidente dans les œuvres clés de Deller telles que : The History of The World et Acid Brass (toutes deux 1997) ; The Battle of Orgreave (2001) ; It Is What It Is (2009) ; et Everybody In The Place (2018), entre autres.

Nombre des premières œuvres de Deller prennent la forme de t-shirts, d’affiches, d’autocollants pour pare-chocs, de sacs de transport, de petites annonces, de cartes de visite, de panneaux de signalisation publique et d’autres formes d’imprimés : des supports quotidiens et banals qu’il continue d’utiliser à ce jour. Circulant librement et en dehors des circuits établis du monde de l’art, les premières interventions de Jeremy Deller s’adressaient plutôt à un public différent – les passants – et pouvaient, selon les termes du conservateur Ralph Rugoff, « être appréciées sans aucune connaissance spécialisée ».

 Cet élan fondamentalement démocratique demeure une caractéristique déterminante du travail de Deller au cours des trente dernières années et est au cœur de son identité publique en tant qu’artiste : depuis qu’il a remporté le Turner Prize en 2004 – qu’il a dédié à « … tous ceux qui font du vélo, tous ceux qui s’occupent de la faune et de la flore, et le mouvement quaker… » – Deller est progressivement devenu lui-même une figure publique.

Dans l’œuvre de Deller, qui, au fil des ans, est devenue de plus en plus collaborative, il y a un sens palpable de la générosité : un désir d’encadrer des idées souvent complexes d’une manière qui soit à la fois lisible et accessible, mais qui ne soit jamais condescendante pour le public.

« Warning Graphic Content » est la première exposition qui réunit l’ensemble des affiches et des œuvres imprimées produites par Deller entre 1993 et 2021, une période de bouleversements sociaux, culturels, politiques, écologiques et technologiques souvent sans précédent. Bien que l’exposition se concentre sur ses œuvres imprimées, elle fait également la rétrospective de la pensée de Deller, une manifestation visuelle de l’évolution de ses multiples intérêts et engagements. Alliant le poétique au polémique, les affiches de Deller ont pris une dimension de plus en plus actuelle, voire politique, comme en témoignent ses récents slogans post-Brexit Thank God For Immigrants (Dieu merci pour les immigrants) (2020), Welcome To The Shitshow! (Bienvenue dans le merdier ! ) (2019), Tax Avoidance Kills (L’évasion fiscale tue) (2020) et le nouveau classique : Cronyism Is English For Corruption (Le copinage signifie corruption en anglais) (2021). Écrivant en 2012 à l’occasion de l’exposition de Deller à la Hayward Gallery de Londres, le conservateur Ralph Rugoff a décrit la position unique de Deller :

«… Deller s’est efforcé d’éclairer les liens qui nous unissent les uns aux autres – souvent en défiant nos manières de comprendre la société et notre place en son sein. En explorant les façons dont la culture est tissée à partir de réseaux d’activités qui traversent toutes les sphères et catégories sociales, son travail a fourni une alternative indispensable au statu quo de l’art contemporain, et un regain d’énergie nécessaire pour remettre en question et ré-imaginer notre manière de donner un sens au monde. » ¹

¹ Rugoff, R. ‘Middle Class Hero’, in Hall, Stuart ; Higgs, Matthew ; Rugoff, Ralph ; Young, Rob (ed.) ‘Jeremy Deller : Joy in People’, (Londres : Hayward Gallery Publishing, 2012), p. 20

Liste des posters disponibles individuellement

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Ecouter l’entretien avec Jeremy Deller réalisé par Duuu Radio.

L’artiste présente l’exposition et le poster co-produit pour l’occasion par Art : Concept et *DUUU.

Biographie

Kate Newby est née à Auckland (Nouvelle-Zélande) en 1979 et travaille aux États-Unis où elle réside. En 2015, elle est diplômée du doctorat de l’École des beaux-arts Elam à l’université d’Auckland.

Kate Newby crée des sculptures et des installations à partir d’une variété de techniques dont la céramique, le verre et le textile. En y intégrant des objets du quotidien laissés pour compte (mégots, pièces de monnaie, morceaux de verre cassé), elle magnifie le prosaïque en lui offrant une nouvelle forme et un nouvel espace, de l’infime au monumental. Ses interventions sont uniques et dédiées aux espaces où elles s’exercent, jouant avec leur luminosité, leur spatialité et leur utilisation originelle. L’artiste s’immisce dans ces lieux avec des œuvres faites à la main, transformant des matériaux bruts en briques, chandeliers ou fenêtres et invite les spectateurs à se rapprocher pour mieux (re)découvrir leurs textures et leurs détails.

Son travail a été montré à la 21e Biennale de Sydney en 2018, ainsi que dans différentes institutions et galeries à travers le monde : à l’Institut d’Art contemporain de Villeurbane (2019), à la Kunsthalle de Vienne (2018) et à Index, Contemporary Swedish Art Foundation (2017). Elle a gagné en 2012 le Walters Prize, le plus grand prix d’art contemporain néo-zélandais.

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Biographie

Tania Pérez Córdova (née en 1979) est une artiste mexicaine née à Mexico où elle vit et travaille. Après avoir étudié à l’école des beaux-arts de Mexico, elle a obtenu une licence en beaux-arts au Goldsmiths College de Londres.

Son travail a été présenté dans des expositions personnelles à la Kunsthalle de Bâle (2018) et au Musée d’art contemporain de Chicago (2017) et prochainement au Musée Tamayo de Mexico (octobre 2022). Il fait partie d’importantes collections publiques telles que celles des Museum of Contemporary Art Chicago/US, Tamayo Museum/MEX, Jumex Collection/MEX, San Francisco Moma/US, Cisneros Collection/US-VEN, Museo Amparo/MEX, Adrastus collection/ESP.

‘All our explanations’ présentée chez Art : Concept en janvier 2022 est sa première exposition personnelle en France.

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