Corentin Grossmann, Miaou, 2018. Céramique, engobe / Ceramic, engobe 43 × 60 × 168 cm (16 ⅞ × 23 ⅝ × 6 ¼ inches). Courtesy the Artist and Art : Concept, Paris.
L’exposition Les Animaux ne portent pas de chaussures, conçue par Anne-Laure Lestage, propose une rencontre sensible avec le vivant. À travers seize œuvres mêlant peinture, dessin, installation, sculpture, vidéo et tapisserie, elle crée un bestiaire doux et parfois étrange. Les artistes brouillent les frontières entre humain et animal, invitant le visiteur à observer autrement et à composer son propre récit. Dans un contexte où la relation entre nature et exploitation est conflictuelle, l’exposition suggère une voie plus respectueuse et équilibrée, fondée sur la sympathie et la cohabitation.
Le travail d’Ulla von Brandenburg, marqué par une pratique multimédia, se déploie dans de grandes installations in situ mêlant films, dessins, objets, textiles, danse, performance et chant. Inspirée par les formes et méthodes du théâtre, l’artiste brouille les frontières entre réalité et illusion, intérieur et extérieur. Ses œuvres, nourries de références à l’histoire de l’art, à la littérature, au cirque, à l’anthropologie et au spiritisme, explorent les rapports entre l’individu et le collectif, ainsi que le rôle des rituels et des jeux de rôle.
L’exposition au Wilhelm-Hack-Museum offre un panorama des cinq dernières années de création et présente également une nouvelle œuvre conçue spécialement pour l’occasion, autour des traditions de l’abstraction géométrique. Transformant l’espace par la couleur et le textile, Ulla von Brandenburg invite le visiteur à une expérience immersive et sensorielle.
Née en 1974 à Karlsruhe, l’artiste vit et travaille près de Paris et à Karlsruhe. Elle est professeure de peinture et d’arts graphiques à l’Académie des beaux-arts de Karlsruhe depuis 2016.
Kate Newby, A line through time, 2025 . 30 m. Céramique, engobe local (chantier de construction à Singapour), glaçure, minéraux, béton. Installé le long du corridor ferroviaire de Singapour.Kate Newby, A line through time, 2025 . 30 m. Céramique, engobe local (chantier de construction à Singapour), glaçure, minéraux, béton. Installé le long du corridor ferroviaire de Singapour.Kate Newby, A line through time, 2025 . 30 m. Céramique, engobe local (chantier de construction à Singapour), glaçure, minéraux, béton. Installé le long du corridor ferroviaire de Singapour.Kate Newby, A line through time, 2025 . 30 m. Céramique, engobe local (chantier de construction à Singapour), glaçure, minéraux, béton. Installé le long du corridor ferroviaire de Singapour.
Kate Newby, A line through time, 2025. Céramique, engobe local (chantier de construction à Singapour), glaçure, minéraux, béton. Installé le long du corridor ferroviaire de Singapour.
Pour l’installation Line Through Time, plus de 30 mètres de tuyaux de drainage faits à la main ont été insérés dans le sol le long du corridor ferroviaire de Singapour. Généralement utilisés pour la gestion de l’eau, ces tuyaux en céramique perforés ont été installés en collaboration avec des spécialistes du paysage afin de s’harmoniser avec l’hydrologie et l’utilisation des sols du site. Émaillés avec un engobe à base d’argile de Singapour, les matériaux utilisés pour cette œuvre sont directement liés au sol sur lequel elle est installée.
Située le long d’un itinéraire ayant connu plusieurs transformations — d’une voie ferrée coloniale à une importante ligne de transport, puis à un espace vert public —, l’œuvre s’intéresse à la manière dont le sol et les infrastructures co-produisent le corridor. La ligne de tuyaux s’intègre à ce paysage vivant, son corps en argile reflétant le sol local et sa fonction suivant les flux naturels existants. L’œuvre dialogue avec le temps, le sol et le passage des jours : ce qui perdure n’est pas sa forme, mais son échange continu avec le lieu.
Miryam Haddad, Au bord des regards, 2022 Huile sur toile / Oil on canvas. Diptyque / diptych : 250 × 300 cm (98 ⅜ × 118 ⅛ inches). Photo Romain Darnaud. Collection Aishti Foundation.
L’exposition Flesh Flowers rassemble les œuvres de plus de soixante-dix artistes et plus de deux cents pièces issues de la collection de Tony et Elham Salamé. Empruntant son titre à l’une des œuvres de Miriam Cahn, l’exposition explore les relations complexes entre le corps et la peinture, en mettant particulièrement l’accent sur le travail des artistes femmes de la collection.
Cette exposition marque le dixième anniversaire de l’inauguration de l’espace d’exposition de la Fondation Aïshti à Beyrouth et constitue la première grande présentation depuis l’interruption des programmes de la Fondation due à la récente guerre.
Les œuvres exposées combinent abstraction et figuration afin de complexifier les relations entre forme et contenu, médium et signification, subjectivité et altérité. À une époque saturée d’images numériques et de données désincarnées, ces artistes réaffirment et remettent en question la matérialité physique de la peinture. Chaque artiste aborde la toile comme un lieu de négociation intense : entre l’immédiateté brute du geste et l’émergence de formes reconnaissables ; entre la présence tangible du corps et sa représentation fracturée dans une société hypermédiatisée. Écrans, pixels, vecteurs et réseaux se mêlent à anatomies, taches, traces et fluides, dans une fusion intense du charnel et du numérique. L’abstraction cède alors la place à des suggestions fugaces de chair, tandis que les éléments figuratifs se dissolvent dans des champs de couleur pure, de texture et d’information.
Tania Pérez Córdova, performance de lecture à Favignana, Italie
Summer News / Noticias de Verano est un livre bilingue de Tania Pérez Córdova comprenant trois textes soigneusement édités qui créent un récit unique et envoûtant avec le pouvoir de transcender toute linéarité chronologique et spécificité. Pérez Córdova organise une lecture collective de ce livre dans le cadre des célébrations de clôture de Viaje a la luna.
Summer News / Noticias de Verano est un projet qui a commencé en 2019 lors de la résidence de Tania Pérez Córdova sur l’île de Favignana en Sicile, Italie. Il est né comme une réponse au sentiment généralisé de paralysie face aux événements mondiaux, et d’un focus méditatif plus personnel sur le passage du temps. Pendant le mois où Pérez Córdova était sur l’île, elle a compilé et transcrit toutes les nouvelles qu’elle trouvait dans les médias locaux et internationaux, en les dépouillant de toute spécificité. De cette manière, les événements ont été transformés en une collection de micro-histoires—tragiques, terrifiantes et comiques—qui ont encadré le passage du temps normalement destiné à la production artistique. Le texte a également fonctionné comme une réflexion sur la capacité d’intervention face à l’horreur et aux injustices dont nous sommes témoins en tant que lecteurs, qui contrastent avec la vie quotidienne. De même, Federico García Lorca (le focus de l’exposition en cours) comprenait le pouvoir du langage.
En 2022/2023, dans le cadre de l’exposition solo de l’artiste Generalización au Museo Tamayo à Mexico, Pérez Córdova a décidé de collecter à nouveau les nouvelles encadrées par la durée de l’exposition, comme une façon de reconnaître les événements du monde se déroulant à l’extérieur des murs protégés d’une exposition d’art contemporain. Et une fois de plus, pour la seconde itération de Generalización au Sculpture Center à New York, l’artiste a commencé une nouvelle période de collecte et de transcription qui a culminé en une nouvelle section du texte.
Summer News / Noticias de Verano est co-publié par Juan de la Cosa (John of the Thing) et le Wattis Institute.
Images : Pierre-Olivier Arnaud & Nick Oberthaler Set de table #5, No Center Can Cut (Neuchâtel Edit), 2025 Impressions sur papier | C-print
Vue d’exposition | Installation view: No Center, CAN Centre d’art Neuchâtel, 04.10–21.12.2025. Photo: Sebastian Verdon
No Center s’inscrit dans le programme anniversaire des 30 ans du CAN et propose de s’intéresser à la notion de «centre» présente dans l’appellation centre d’art. En remettant, en question la légitimité de ce terme, l’équipe du CAN et les artistes tentent une autocritique institutionnelle et invitent à des réflexions autour de l’accessibilité et de la professionnalisation de l’art, des critères de sélection des artistes ou encore de l’exposition comme espace de convivialité.
Cette exposition est soutenue par: Ville de Neuchâtel, République et Canton de Neuchâtel, Loterie Romande, Fondation Philanthropique Famille Sandoz, Fondation Ernst & Olga Gubler-Hablützel, Fondation culturelle de la Banque Cantonale Neuchâteloise, Fondation Casino de Neuchâtel, Département de la culture du Canton de Bâle-Ville, Österreichisches Kulturforum Bern et Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.
Avec : Pierre-Olivier Arnaud & Nick Oberthaler, Julien Berberat, Caroline Bourrit & Emilie Guenat, Giulia Essyad, Evasure, General Æsthetics, Lola Gonzàlez, François Jaques, La Bibliothèque des Ready-Mades, Noemi Pfister, Mathias C Pfund & Sarah Wéry, Colin Raynal, Matthias Sohr, Stirnimann-Stojanovic
Vernissage, vendredi 03.10.25, 18h Davide-Christelle Sanvee, Salle noire, performance Sami Galbi, concert BByoda & Nelly Hello, after party
CAN Centre d’art Neuchâtel, Rue des Moulins 37, CH–2000 Neuchâtel me–di 11–18h, entrée libre
Pour son exposition À travers l’évolution, nous voyageons, Andrew Lewis investit le mur courbe de l’artothèque. Vingt-trois œuvres, essentiellement de grand format, peintures à l’huile et dessins au fusain, qui se lisent comme un travelling spatio-temporel.
Le fil conducteur de l’exposition, comme souvent dans le travail d’Andrew Lewis, est l’évolution, abordée à différentes échelles : celle d’une époque, d’une vie ou d’une partie de l’existence. L’évolution, au sens historique, lui permet d’analyser les modifications du statut social des individus.
Andrew Lewis réalise une synthèse originale : transposer en peinture et en dessin, des personnages calmes et hiératiques interagissant avec le temps, qui, lui, évolue.
Deux temporalités traversent ainsi les œuvres présentées, celle des découvertes scientifiques qui permettent à l’humanité de modifier son point de vue et celle, plus sensible, de l’évolution culturelle et sociale. Les époques s’entrechoquent, proposant des variations temporelles anachroniques. Les différentes évolutions techniques et l’avènement du progrès rencontrent les évolutions sociales. L’univers devient un espace‑temps à la fois multiple et troublant.
Malgré leur caractère mystérieux, à mi-chemin entre réalité et science-fiction, les œuvres d’Andrew Lewis sont comme des machines à remonter le temps. Dans une narration visuelle énigmatique, ses œuvres évoquent des moments historiques de transition.
L’exposition a été réalisée en partenariat avec la galerie Art : Concept, Paris.
Au cours de ces 10 dernières années, la collection du musée Estrine s’est enrichie d’environ 350 œuvres de peinture, sculpture, céramique, gravure et dessin. Ce dynamisme est en grande partie le fait de la générosité des artistes, des familles d’artistes et des mécènes qui ont voulu accompagner le musée en lui confiant des œuvres.
Une part importante de ces acquisitions est consacrée aux artistes femmes trop souvent invisibilisées dans l’histoire de l’art, que le musée met depuis longtemps en avant comme avec la donation Lena Vandrey de Mina Noubadji-Huttenlocher et celle d’Alexandre Galperine pour les œuvres de Christine Boumeester et Evelyne Cail, auxquelles viennent s’ajouter des artistes contemporaines comme Mireille Blanc et Nina Childress.
Hippocampus, une exposition in situ à Courtrai par Elders Collectief.
23 diapositives analogiques, 6 x 7 cm 2 projecteurs Götschmann 8585 AV Contrôleur de fondu Bässgen
Module de présentation conçu par Kris Kimpe et Geert Goiris, produit par Elders Collectief.
La septième exposition organisée par Elders Collectief ouvrira ses portes le samedi 13 septembre, dans un site industriel historique ayant joué un rôle essentiel dans l’histoire économique et créative de Courtrai. Pour Hippocampus, Elders réunit à la fois de jeunes talents émergents et des artistes confirmés de Belgique et de l’étranger.
Vue d’exposition / Installation views; Obras de la Colección Jumex, Museo Jumex. 2025Vue d’exposition / Installation views; Obras de la Colección Jumex, Museo Jumex. 2025. Tania Pérez Córdova (1979), A fence into a fence 7, 2018-2022 Aluminium, plumes, argile, matériaux divers. 75 x 48 x 15cm. Colección Jumex, Mexico
À travers de simples transformations matérielles, Tania Pérez Córdova crée des œuvres qui parlent de leur propre histoire et mémoire. A fence into a fence 7 fait partie d’une série d’œuvres où l’artiste prend un objet métallique usagé, le fait fondre, et le re-coule dans sa propre forme, préservant sa silhouette tout en altérant son essence. Par cet acte de défaire et de refaire, l’objet perd sa fonction originelle et devient une forme fragile à contempler, évoquant discrètement l’impermanence et la valeur changeante que nous attribuons aux choses familières.
Cette exposition de la Colección Jumex comprend des acquisitions récentes et des œuvres qui n’ont jamais été présentées auparavant au Museo Jumex. Des pièces des années 1970 à aujourd’hui sont rassemblées autour des conceptions du temps, incluant les systèmes scientifiques et de croyance, les durées de vie et les événements momentanés, la croissance et la décomposition. Le sens du toucher est un des fils conducteurs communs aux œuvres, suggérant que notre perception du temps est ressentie plutôt qu’observée.
Artistes : Marcela Astorga, Ana Bidart, Walead Beshty, Heidi Bucher, Peter Buggenhout, Miriam Cahn, Lara Favaretto, Hans-Peter Feldmann, Dan Graham, Phillip Lai, Abigail Lane, Juan Carlos León, Rafael Lozano-Hemmer, Teresa Margolles, Yeni Mao, Gordon Matta-Clark, Rivane Neuenschwander, Paolo Nimer Pjota, Berenice Olmedo, Frida Orupabo, Tania Pérez Córdova, Landon Ross, Bárbara Sánchez-Kane, Gabriel Rico, Gary Simmons, Álvaro Urbano.
Exposition organisée par le Museo Jumex. Commissariat de Kit Hammonds, commissaire en chef et Natalia Vargas, assistante curatoriale.
